Gottfried Helnwein Interviews

GOTTFRIED HELNWEIN - INTERVIEWS
A selection of Interviews with, about and by Gottfried Helnwein in chronological order.
Eine Auswahl von Interviews mit und von Gottfried Helnwein.

Gottfried Helnwein, "Epiphany I ( Adoration of the Magi)", 1996, mixed media on canvas, 210x333cm.

Oberösterreichische Nachrichten, 15. Februar 2006
FRAGEN AN GOTTFRIED HELNWEIN
Anlässlich der Ausstellung "Face it" im Lentos Kunstmuseum in Linz
Claudia Werner

Inter Communication, Japan. No.20, Spring 1997
INTERVIEW WITH GOTTFRIED HELNWEIN
InterCity - OTARU TOKYO
Japanese Interview with Gottfried Helnwein
Interviewer: ITO Toshiharu

fotoMAGAZIN, 01. May 1996
Kunstmarkt
FOTOGRAFEN UND MALER
Interview mit dem Kunstsammler Peter Ludwig


Süddeutsche Zeitung Magazin, 04. August 1995
JÜNGSTES GERICHT, (ERSTES VORGESPRÄCH)
über sein Dasein auf Erden wird befragt: Gottfried Helnwein, 47, Künstler


Sonntagszeitung, Zürich,   11. Dezember 1994
"WIE EINER DER GROSSEN MEISTER DER RENAISSANCE"
Helnwein, 46, ein Meister der Provokation, hält Walt Disney für so bedeutend wie Leonardo da Vinci und Rembrandt.
Interview mit Gottfried Helnwein
von Roger Anderegg

Grants Pass, Oregon, 11. July 1992
HELNWEIN TALKS WITH CARL BARKS
Helnwein visits Carl Barks in Grants Pass, Oregon, July 11, 1992


Gottfried Helnwein im Gespräch
Die Interviews mit Gottfried Helnwein fanden statt am 13./14. Juli und wurden am 21./22. September 1990 fortgesetzt.
mit Andreas Mäckler

Handelsblatt, 28. Dezember 2001
MEIN STIL - 10 FRAGEN AN PROMINENTE
Gottfried Helnwein Maler
Roland Mischke

Tastes Like Chicken; Columbus, Ohio, 01. November 2000
HELNWEIN
Interview with Gottfried Helnwein
by Insane Wayne Chingsang


Tastes Like Chicken, 22. September 2002
MARILYN MANSON INTERVIEW BY CYRIL HELNWEIN
Interview with Marilyn Manson (original version)
by Cyril Helnwein

Tastes Like Chicken, 22. September 2002
MARILYN MANSON INTERVIEW VON CYRIL HELNWEIN
Interview mit Marilyn Manson (German translation)
von Cyril Helnwein

Hotdog, Paragon Publishing, Paragon House, London, 19. January 2003
THE GENIUS OF HELNWEIN
Hutdog talks to Gottfried Helnwein; the artist behind the greatest poster never sold.
by Tristan Burke

Juxtapozed Magazine, 2003
MARILYN MANSON ABOUT HELNWEIN
The Golden Age of Grotesque
Jesse Hernandez

INTERVIEWS

1. September 2003
Yaso
Japan
Yuichi Konno
Editor in chief
YUICHI KONNO TALKS WITH GOTTFRIED HELNWEIN
“Children and lunatics cut the gordian knot which the poet spends his life patiently trying to untie.” Jean Cocteau

Yaso: 1. About the images of the Nazis.
You began your life in the wake of World War II in Vienna, and you have often used Nazi images in your works. I suppose you received very diverse responses in 1960-70s when people still remembered those tragic sights and experiences vividly as opposed to what you get today when young people only know about the war through books and films. For example, we see many works of art in which artists combine Nazi images and the ones the Nazis banned as "degenerate" art.
Do you intend to make any differences in the way you treat the Nazi-images today from decades ago, or is your methodology the same?

Helnwein:
Let me try to explain how I ended up using this imagery in my work – it’s far more simple and less scientific than you might think.
My art is an ongoing dialogue that I started 30 years ago with my public. Since the early days of my childhood I was under the impression that the world I lived in was a madhouse. I could never figure out what this was all about, nothing seemed to make much sense. People around me, especially grown-ups who pretended to be in charge, acted extremely weird. Everybody seemed to be entangled in a web of complex invisible rules and laws.
I figured this out because whenever I got smacked or kicked I was told that I had just violated one. I always thought – how did I end up in a place like this? What was I doing here? The only thing I knew was that this was not home – I didn’t belong here. But who was I then? Where did I come from? Obviously I was in a state of total amnesia.
However, for the time being I seemed to be stuck in a no-fun two-dimensional world -- a cheap, silent, black and white movie in slow motion. What I didn’t know then was that I had been born in Vienna shortly after the second of the two world-wars that my stupid ancestors had caused within the last 30 years – and lost.
Many buildings were in ruins, destroyed by the bombs of the allied forces now occupying the city. I never heard anybody sing and I never saw anybody laugh. And when I found the photographs of my father, my grandfathers and my uncles all in uniforms of Hitler’s army, I started to ask questions.
Unfortunately, I was speaking either in the wrong tounge or they also suffered amnesia, because I never got any answers. But I was a very insistive child and I never gave up asking, despite the fact that it didn’t get me anywhere.
When I was 18, there was this one miraculous moment when I suddenly knew that there was a way out: I had to become an artist. And I started to paint. I didn’t know much about the art-world and other artists, and I didn’t care about styles and techniques. I just began to formulate my old questions now as images, and step by step I developed my own visual language.
But I was not prepared for the avalanche of emotional reactions that my little watercolor-paintings triggered. I was quite surprised to realize that suddenly I seemed to be in possession of a superior magic language, capable of cutting through everything and reaching deep into the hearts of people and moving and touching them.
And to my amazement this nation of mutes started to talk, to respond. I suddenly found myself in a very powerful dialogue with a growing number of people. It never stopped and became the momentum and destiny of my life.

Yaso: 2, Reality that occurs in two-dimensional fields.
In Japan today, comic books and TV animation are dominantly influential to the degree that many of the boxers took up the sport after they had read comic stories about boxing. The two-dimensional, virtual rendition of boxers feels more real and overwhelming than actual ones.
What is your idea about the reality that two-dimensional representation has, such as cartoons, and the potential it has to affect the human subconscious?

Helnwein:
Of course imagination and illusion are always so much more powerful and bigger than this mediocre and boring thing called reality.
What is reality? At any given time or place in history it was always the ruler – this priesthood of power – that defined and told you what reality is. All the education-systems had (and have) only one purpose: to make you agree with their fabricated “truth” or “reality” and the attached little belief-systems, and to abandon and betray your own reality – your own magic and boundless inner world – your spiritual home-universe.
Of course their arbitrary, stupid, little belief-systems vary from time to time and from nation to nation, but their methods are always the same: threats, punishment, pain and terror, if you don’t submit yourself. It was one of these twilight-zone “realities” that I woke up to in post-war Vienna, created by the very same people that had just completed the killing of 50 million people.
And into that limbo of my childhood some merciful god (or goddess) dropped the first German Micky-Mouse comic-books with all the Donald Duck-stories by that genius Disney-artist, Carl Barks. Opening my first Donald Duck comic-book felt like seeing the daylight again for someone who had been trapped underground by a mine-disaster for many days.
I blinked carefully because my eyes hadn't gotten used to the dazzlingly bright sun of Duckburg yet, and I greedily sucked the fresh breeze into my dusty lungs that came drifting over from Uncle Scrooge's money bin. I was back home again, in a decent world where one could get flattened by steam-rollers and perforated by bullets without serious harm. A world in which the people still looked proper, with yellow beaks or black knobs instead of noses.
And it was here that I met the man who would forever change my life – a man who, as the Austrian poet H.C. Artmann put it, is the only person today that has something worthwhile saying: Donald Duck.
Whenever I closed my comic-book I was back in this two-dimensional nightmare, but it was not the same anymore because - now I knew there was another world to which I could always escape if I wanted.

Yaso: 3. About death.
Your photographs including the portraits of Joseph Beuys, Andy Warhol, William Burroughs, Keith Richards, et al have an odor of death. I suppose human faces have many expressions inherently and one can often display the solemnity that he/she will show at the moment of death when he/she is still alive.
Do you choose the expressions that look like dead faces deliberately when you take portrait photographs and create paintings based on them?

Helnwein:
My series “Faces” is also the result of a dialogue. I keep the procedure as simple as possible.
Usually I meet somebody I am curious about, and I leave everything to the moment of encounter. I have no plan or preconception of what the person should act or look like. There is always a moment of uncertainty involved, also on the side of the person to be photographed. Nobody really knows what the next step will be.
Andy Warhol, after his usual compliments and small-talk, sat down and didn’t talk or move for more than an hour – it was a strange, uneasy silence at first, and I didn’t know what to say; everything seemed to be frozen in time, like Andy’s face, and slowly I felt a relief. All the social veneers were crumbling, and I started to shoot. I felt like I was floating in outer space – only Andy and I – a moment of truth.
All of my better photographs caught a moment similar to that one. Developing a photograph of a face is always an adventure because you never know what the outcome will be. It’s like opening a secret chamber and unearthing something for the first time that nobody has ever seen before. It’s rare, but in the hand of a master the camera can reveal aspects of a personality that are invisible for the naked eye.
William Burroughs said that faces never stay the same, they constantly change, acting like a screen onto which different images are projected from within.

25. August 2003
profil,Wien
Herbert Lackner
ICH KOMME SICHER NICHT ZURÜCK.
Österreich-Gespräch.Maler Gottfried Helnwein über die Vorzüge der katholischen Vergangenheit von Österreich und den Unterhaltungswert der Politik.

profil:
Herr Helnwein, Sie sind zuerst aus Wien nach Deutschland übersiedelt, jetzt leben Sie hier in Irland und in Los Angeles. Ist es Zufall, dass Sie sich schrittweise immer weiter von Österreich entfernen?

Helnwein:
Ich bin einfach ein unruhiger Mensch. Ich kann schwer sesshaft werden. In Wien hatte ich nie ein Heimatgefühl, obwohl ich da geboren bin. Die 50er und 60er Jahre waren ja auch eine schreckliche Zeit. Ich wollte wie viele Künstler immer weg. Die Wenigsten schaffen es, weil Wien eine eigene Gravitation hat.

profil:
In den ersten Nachkriegsjahrzehnte war Wien wirklich ein wenig düster, aber immerhin hat profil schon 1973 Helnwein-Zeichnungen am Cover veröffentlicht, die sich der “Spiegel” nicht zu zeigen getraut hätte.

Helnwein:
Das stimmt. Österreich hat viele Qualitäten, aber es fällt mir viel leichter diese Qualitäten aus der Distanz zu erkennen. Wien ist eine der seltsamsten und faszinierendsten Städte der Welt, auch eine sehr theatralische Stadt. Eine Stadt, in der Politik, Kultur und Medien stark vermischt sind, wo immer noch hellste Aufregung über einen Dichter oder Theaterdirektor herrschen kann.
Ich erinnere mich immer noch gerne daran, wie sich in den 70er Jahren Arnulf Rainer und Alfred Hrdlicka per Leserbriefen im profil geohrfeigt und gedemütigt und dann auch noch dem Adolf Frohner eine drübergebraten haben. Es war eine richtige Watschenorgie.
Das alles ist ein Teil von Wien, das sind unglaubliche Qualitäten.

profil:
In Österreich hätten Sie nicht 3.500 Protestschreiben wegen einer Zeichnung mit einem nackten General bekommen, wie in der Schweiz.

Helnwein:
Richtig. Österreich hat durch seine katholische Vergangenheit mit diesem Inferno an Bildern und Skulpturen in den Kirchen der Gegenreformation eine große Toleranz gegenüber Bildern. In Deutschland und anderen protestantischen Ländern herrscht viel größere Bilderfeindlichkeit.

profil:
Sie wollten kürzlich in Los Angeles Marilyn Manson als Micky Mouse darstellen, was dem Musikkonzern nicht gefiel, weil das die amerikanische Ikone Micky beleidigt hätte. Ist das die Freiheit?

Helnwein:
Nein, in Amerika herrscht durch die unsägliche puritanische Tradition ein richtiger Bilderhass. Das ist ja das Land wo immer noch Schallplattencover verbrannt werden. Das ist die protestantisch-calvinistische Ethik und die ist extrem. Das schlimmste ist die Selbstzensur, weil man einfach Angst hat, von anderen zensiert zu werden.

profil:
Sie haben im Juni in der “Süddeutschen Zeitung” gesagt: “In Los Angeles zeigt sich der letzte Stand der Entwicklung: Kunst hat keinen Wert mehr, es gibt nur noch Entertainment.” Wieso arbeiten Sie dann dort?

Helnwein:
Gerade deshalb. Los Angeles ist eine faszinierende Stadt für einen Künstler, weil sie der äußerste Punkt ist im Prozess des Untergangs des Abendlandes. Wenn man wissen will, wo Europa in ein paar Jahren sein wird – in Los Angeles ist es schon soweit.
Es geht nur noch um Profit. Es kümmert sich niemand um den anderen. Es sei denn, die Interessen der herrschenden multinationalen Konzerne werden berührt. Das sind die Grenzen.

profil:
Wer den Irak-Krieg kritisiert, wird boykottiert.

Helnwein:
Richtig. Sean Penn, den ich sehr gut kenne, ist einer der wenigen, die sich offen dagegen ausgesprochen haben. Er hat auch einen offenen Brief an Präsident Bush geschrieben – in sehr respektvollem Ton, wie ich finde. Dennoch sind alle Verträge, die er für die nächsten Filme abgeschlossen hat, aufgekündigt worden.

profil:
Ihr Postulat, Künstler hätten stets Gegenspieler der bürgerlichen Gesellschaft zu sein, mündet so im Existenzverlust.

Helnwein:
Künstler waren immer gefährdet. Das Leben von Künstlern im vergangenen Jahrhundert endete unverhältnismäßig oft im Exil. Oder in Amerika vor dem Mc Carthy-Ausschuss und in Russland in den Gulags.

profil:
Sie haben sich gegen die Nachrüstung eingesetzt, für die Ökologie, gegen die Neonazis. Sind Sie ein Rot-grüner?

Helnwein:
Ich war immer interessiert an Politik und Geschichte, aber ich habe gelernt, mich aus Tages- und Parteipolitik völlig raus zuhalten. Für mich war immer die Kunst die Waffe um zurückzuschlagen. Meine Bilder sind eine Antwort auf das, was mich geärgert oder verwirrt hat.

profil:
Haben Sie deshalb immer die Nähe der Massen gesucht und die Galerien eher gemieden?

Helnwein:
Ich habe ähnlich wie mein Freund Manfred Deix und andere aus meiner Generation gefühlt. Was uns fasziniert hat, war die Trivialkunst aus Amerika, die Donald Duck-Comics von Carl Barks.
Es war wie ein Kulturschock für mich, als ich das erste Micky Mouse-Heft aufgemacht hab. Ich habe das erste mal eine Welt betreten, die aus Farben bestand, die dreidimensional war. Vorher war mein Leben ein schlechter Schwarz-Weiß-Film in Zeitlupe.
Als ich Elvis zum ersten mal auf einem Kaugummibildchen gesehen habe, wusste ich nicht wer das ist, da ich aber nur die gedrungenen, dicklichen, verschwitzten Wiener der Nachkriegszeit kannte, war das ein Schock für mich: ich wusste nicht, dass ein Mensch so schön sein konnte. Ich habe gedacht, das ist ein Engel aus einer anderen Welt. Erst sehr viel später habe ich seine Musik gehört.
Ich habe immer Kunst abgelehnt, die so elitär ist, dass sich in ihr nur Experten an Experten wenden.

Der Spiegel, 05. May 2003
ICH BIN AMERIKAS ALPTRAUM
Interview mit Marilyn Manson
Christoph Dallach, Jörg Böckem

(Auszug)

SPIEGEL: Helnwein gilt wie Sie als Provokateur des Kulturbetriebs - haben sich da zwei verwandte Seelen getroffen?

Manson: Ein Künstler, der nicht provoziert, wird unsichtbar. Kunst, die keine starken Reaktionen auslöst, hat keinen Wert. Helnwein hat das verinnerlicht und entspricht damit genau dem Kern meiner Musik. Unsere Zusammenarbeit erschöpft sich nicht darin, dass ein Künstler einem Musiker ein Cover für sein Album malt. Wir schaffen zusammen Kunst, die unseren Gemütszustand wiedergibt.

SPIEGEL: Helnwein sagt, Sie seien ähnlich einsam wie er.

Manson: Ganz bestimmt. Es ist übrigens nicht nur schön, sondern auch befremdlich, jemanden zu finden, der tatsächlich das Gleiche liebt wie man selbst. Ich bin gewohnt, für meine Ideen verurteilt zu werden - und plötzlich ist da jemand, der mich auf Anhieb versteht. Ich war nie ein geselliger Mensch. Das ist einer der Gründe, warum Leute wie ich Entertainer werden - weil sie anders nicht kommunizieren können.

for full interview with pictures, click here: http://www.helnwein.de/presse/international_press/artikel_1210.html

Hard N'Heavy, Paris, 01. May 2003
GOTTFRIED HELNWEIN, REVOLUTION… AKTION !
Interview with Gottfried Helnwein
par Sophie HERVIER

Artiste autrichien de renommée internationale, Gottfried Helnwein partage son temps entre l’Irlande où il vit depuis cinq ans et Los Angeles où il a récemment ouvert un nouveau studio. C’est lui qui signe le visuel de The Golden Age Of Grotesque et fait ici un point passionnant sur cinquante-cinq ans de carrière.

HELNWEIN: A l’origine, je ne voulais pas devenir artiste parce que je pensais que ça devait être très ennuyeux. Mon rêve, comme celui de tous mes amis, était de faire du rock ! Je suis né à Vienne après la Seconde Guerre mondiale dans un environnement sinistre et désolé, peuplé par une classe moyenne dépressive. Les années 50 ont vraiment été catastrophiques en Autriche. La seule chose qui me mit du baume au cœur fut la découverte, à l’âge de six ans, d’une photo miniature d’Elvis Presley dans un paquet de chewing-gum. Je ne savais pas du tout qui c’était mais sa beauté me fascinait. Plus tard, j’ai appris que c’était un musicien et c’est comme ça que je me suis mis au rock. Après, il y a eu les Rolling Stones… A l’époque, seuls la musique et les comics m’intéressaient, je détestais toute autre forme d’art établi. Quand j’ai eu 19 ans, j’ai soudain voulu être un artiste parce que je me suis aperçu que ça permettait de jouir d’une certaine liberté, d’exprimer toutes ses opinions et d’avoir un impact sur la société. C’est pour ces raisons que je me suis mis à la peinture.

Y avait-il des artistes particuliers dont les œuvres t’inspiraient ?
HELNWEIN: Non. Nous étions dans les années 60 et tout le monde se rebellait. Surtout en Allemagne et en Autriche, où notre génération se sentait très différente de celle de nos parents, que nous tenions responsable de l’Holocauste. Je crois que dans toute l’histoire des pays germanophones, ce fut le plus grand décalage entre deux générations. En plus de cela, j’ai rejeté tout ce qui avait trait aux beaux-arts. Ça m’a pris énormément de temps pour me rendre compte des choses fantastiques auxquelles ils avaient donné naissance. Il n’y a que le surréalisme que je tolérais. Mais même dans ce domaine, je n’avais pas de modèle. Je peignais juste ce qui me passait par la tête.

Peux-tu nous en dire plus sur la naissance du mouvement Aktion durant cette période ?
HELNWEIN: Ce mouvement fut créé à Vienne à la fin des années 60/début des années 70. C’était une forme d’art constituée de performances agressives, voire violentes, destinées à briser les tabous. Certains artistes s’automutilaient et ont dû quitter le pays sous peine d’emprisonnement. Je connaissais très peu ce mouvement parce qu’il était très restreint et qu’on en parlait peu dans les médias. Mais, dans mon coin, je pratiquais simultanément la même chose en me coupant avec des lames de rasoirs ou en me recouvrant de sang. C’était une réaction à une société oppressive. Le mouvement s’est étendu à d’autres pays, comme l’Allemagne et les Etats-Unis, sous d’autres noms, mais c’est bien en Autriche que Aktion fut le plus extrême. Il a pris fin au milieu des années 70 parce que cette réaction se devait d’être spontanée. Si elle commençait à se répéter, comme au théâtre, elle perdait son sens. Un de ces artistes de l’époque pratique encore aujourd’hui l’automutilation, mais ça ressemble malheureusement plus à une plaisanterie qu’à autre chose. Quant aux autres, beaucoup se sont reconvertis dans des médias comme la peinture, le dessin ou la photographie.

Ton travail est particulièrement marqué par l’enfance et la mort. Y’a-t-il une raison particulière à cela ?
HELNWEIN: L’Autriche est un pays intéressant et agréable mais, plus jeune, je le trouvais oppressant, déprimant et véritablement horrible. Vienne a d’ailleurs une tradition artistique très sombre, que ce soit en matière de poésie, d’écriture ou de beaux-arts. Kafka en est un exemple. Quand je vivais là-bas, je trouvais tout noir, chaque jour crépusculaire. Le seul art auquel j’ai été exposé enfant fût celui des églises catholiques romanes. Avec ces gens cloués sur des croix, torturés, ensanglantés. C’est ce qui m’a probablement influencé.

UN NOUVEAU MOUVEMENT ARTISTIQUE

Comment en es-tu venu à collaborer avec Marilyn Manson ?
HELNWEIN: Je connaissais bien son travail puisque je l’ai toujours considéré comme un artiste très doué et très intelligent. J’aimais bien ses interviews et ses paroles m’ont impressionnées. Et puis mes enfants sont de grands fans de Marilyn. Un de mes fils ne rate aucun de ses concerts (rires) ! Et quand un autre l’a rencontré il y a un an à la première d’un film, il lui a offert un de mes livres, sans me prévenir ! Visiblement, Manson connaissait mon travail et fut enchanté du cadeau, qu’il cherchait depuis pas mal de temps. Il m’a téléphoné et nous nous sommes rencontrés. Nous avons commencé à travailler ensemble et ça s’est transformé en quelque chose que je n’attendais honnêtement pas. C’est une des rares fois où j’ai rencontré un autre artiste avec qui je pouvais collaborer de façon aussi naturelle et développer de nouvelles formes d’art. Notre relation est particulièrement exaltante. Je crois que le talent de Manson dépasse les frontières de la musique rock. C’est un artiste conceptuel qui a aussi un sens inné du spectacle. Et visuellement, il est incroyable ! C’est un tel bonheur de travailler ensemble que nous avons décidé de créer un nouveau mouvement artistique.

Qui peut, selon Manson, «changer la face de l’Art»…
HELNWEIN: On ne peut pas savoir comment tout cela va finir mais notre collaboration en a clairement le potentiel. J’ai rarement été si inspiré. Manson m’a dit avoir acheté il y a très longtemps l’album de Scorpions auquel mon autoportrait a servi de pochette (Blackout, en1982). Il n’aimait pas la musique mais l’avait juste acheté pour la photo. Alors si une image à pu toucher le jeune Marilyn Manson quelque part aux Etats-Unis, qui sait quel effet produira The Golden Age Of Grotesque sur d’autres personnes ?

De quelle manière avez-vous travaillé autour de l’idée de grotesque et de burlesque qui jalonne l’album ?
HELNWEIN: Je ne m’intéresse pas à ces mouvements de façon aussi précise que lui, et c’est justement ce qui créé une différence captivante. Parce que sur tout le reste, nous avons les mêmes points de vue. J’ai vraiment l’impression de le connaître depuis des milliers d’années. A dire vrai, je n’ai jamais rencontré quelqu’un dont je me sente aussi proche. Nous avons plusieurs projets en court - dont je ne peux pas dévoiler les détails - mais j’ai pris des centaines de photos de lui que nous prévoyons d’exposer à la sortie de l’album et nous travaillons aussi sur d’autres supports, comme la vidéo (Gottfried Helnwein réalisera le clip du second single extrait de The Golden Age Of Grotesque, que Manson tient à garder secret pour l’instant – ndr). Notre collaboration est très harmonieuse. C’est une co-création. Chacun a ses idées et les réalise. Et ce qui rend les choses faciles, c’est de travailler avec quelqu’un d’aussi brillant et inspiré. Marilyn Manson est l’Oscar Wilde ou le Lord Byron de notre ère. Un poète un peu dandy, extrêmement intelligent et sensible. L’Amérique devrait être fière d’avoir un artiste comme lui. Chaque société a en chaque temps les artistes qu’elle mérite. Et le véritable artiste est toujours l’opposant à une société médiocre, le défi dont elle a besoin pour ne pas geler. Marilyn Manson est un compliment fait aux Etats-Unis.

Un de tes tableaux les plus connus est un portrait assez effrayant de Mickey Mouse. Pourquoi as-tu décidé de reprendre l’idée en photographiant Manson de la sorte pour la pochette de l’album (qui a depuis été censurée) ?
HELNWEIN: J’ai souvent manipulé l’image de Mickey Mouse et de Donald Duck parce que j’ai toujours apprécié cette culture triviale. Les bandes dessinées font partie de mes racines et je les considère comme des œuvres à part entière. En tant qu’icône, Mickey possède différents aspects. C’est une création magnifique qui a tourné en quelque chose d’abominable. Un grand commerce, un symbole des multinationales. Et Mickey a un côté mignon finalement très artificiel quand on voit l’utilisation qui en a été faite avec Manson (rires) ! Et puis, comme Mickey est aussi un personnage connu du monde entier, c’est tentant de jouer avec.

FASCINER ET CHOQUER

Considères-tu, comme Manson, que l’art et le divertissement ne font qu’un ?
HELNWEIN: Oui. Chaque artiste produit dans une certaine mesure du divertissement. Le but de n’importe quelle forme d’art est de créer de la magie, de l’illusion. Que ce soit sur scène ou sur une toile, il faut fasciner, choquer, faire rire ou pleurer les gens.

Tu as connu de gros problèmes de censure dans les années 70. Comment trouves-tu que les mentalités ont évolué ?
HELNWEIN: Rien n’a vraiment changé. Je pense même qu’il y avait plus de liberté dans les années 70 qu’aujourd’hui. Mon travail a toujours engendré des réactions controversées, ce qui est aussi le cas de Manson. Il y a des gens qui en deviennent passionnés et d’autres qui aimeraient me brûler pour ce que je fais. La société considère l’art comme un danger parce que l’artiste est différent et repousse les limites établies. Oscar Wilde a passé deux ans en prison et a finalement dû quitter l’Angleterre pour la France, où il mourut dans la pauvreté. Enormément de grands artistes se sont exilés parce que leur œuvres étaient si intenses, si fortes et si puissantes qu’elles constituaient une menace pour la sécurité de leur pays. Certains ont eu une résonance très forte en moi, comme Antonin Artaud – qui semble également avoir eu un écho significatif chez Manson - ou Rimbaud, William Burroughs ou Charles Bukowski. Des rebelles auxquels je pourrais facilement m’identifier.

Aujourd’hui, te forces-tu en quelque sorte à constamment pousser tes limites et produire des œuvres provocantes ?
HELNWEIN: Non, je n’y peux vraiment rien (rires) ! Les seules idées qui me viennent à l’esprit sont des idées que les autres trouvent facilement dérangeantes. Ce n’est pas que ça me plaît mais c’est la seule chose dont je semble être capable. Réaliser quelque chose qui plaise à la société équivaudrait à un suicide pour moi. Ça voudrait dire que je rends les armes et que j’abandonne. C’est impossible à imaginer.

Apprécies-tu le fait d’avoir du succès de ton vivant ?
HELNWEIN: Je ne conçois pas la notion de succès. Chez moi, tout est histoire de lutte. Parfois, c’était amusant de se battre, parfois pas. Ma vie se résume à causer des problèmes aux autres qui me le rendent bien (rires) !

On a l’impression que depuis quelque temps, ton travail a la cote auprès des célébrités qui se déplacent en masse à tes expositions. Tu ne crains pas l’effet de mode qui entoure ta production ?
HELNWEIN: Ça ressemble peut-être à ça de l’extérieur, mais ce n’est vraiment pas le cas. Voilà presque un an que j’ai ouvert mon studio à Los Angeles et j’en suis ravi ! C’est en allant aux ventes aux enchères ou aux musées que l’on se rend compte de ce qui est à la mode. Les personnes qui se rendent à mes expositions apprécient simplement mon travail. Par exemple, Sean Penn qui n’est ni quelqu’un d’amusant ni de forcément sympathique a une vision de l’art particulière qui le conduit à s’intéresser à mes œuvres. Cela dit, c’est vrai qu’à moins d’être S.D.F., tout est hype à Los Angeles. C’est le mode de vie californien qui veut ça. Mais j’apprécie de pouvoir y créer et de rencontrer d’autres artistes avec qui collaborer. Et puis, ce qui est incroyable aussi, c’est que tout le monde se fout de tout. Il flotte à Los Angeles un esprit de liberté que je n’ai jamais ressenti dans aucune autre ville européenne.

for full interview with pictures, click here: http://www.helnwein.com.fr/presse/local_press/abstracts_1.html

Süddeutsche Zeitung, 04. January 2003
LOU REED ÜBER HORROR
Interview mit Lou Reed
Alexander Gorkow
(Auszug)

SZ: Deutlicher: Ist die Beschäftigung mit dem Horror Edgar Allan Poes und die Beschäftigung mit dem Raben „Nimmermehr“ eine Therapie für Sie?
Lou Reed: Glaube ich nicht. Vielleicht ist es ja eine Therapie für Sie.
SZ: Grundsätzlich kann es ja trostreich sein, sich mit dem Dunklen . . .
Lou Reed: . . . das ist keine Therapie für mich. Kennen Sie Gottfried Helnwein?
SZ: Den österreichischen Künstler?
Lou Reed: Ja, Gottfried Helnwein.
SZ: Nicht persönlich. Einige seiner Sachen kenne ich, ja.
Lou Reed: Mögen Sie seine Sachen?
SZ: Nein.
Lou Reed: Aha.
SZ: Wieso?
Lou Reed: Er ist ein Freund von mir.
SZ: Ist er das?
Lou Reed: Ja. Er hat ein wunderbares Bild von Poe gemalt...

For full interview, click here: http://www.helnwein.de/presse/international_press/artikel_1028.html

Der Spiegel online, 28. Juli 1999
ICH MÖCHTE NICHTS MEHR SEHEN
Interview mit Lou Reed
Christoph Dallach

(Auszug)

kulturSPIEGEL:
Bildet ein Foto eine andere Realität ab?

Reed:
Es zeigt unter Umständen einen neuen Aspekt. Was mir als wunderschön auffällt, muss Ihnen ja noch lange nicht gefallen. In Irland habe ich neulich einen Hurrican erlebt. Den wollte ich geniessen, hab' mir ein Seil geschnappt und mich an die Steilküste gehängt. Keiner wollte mit, aber ich musste da rauf.

kulturSPIEGEL:
Warum?

Reed:
Natürlich, um das Ganze durch's Objektiv zu betrachten. Fotos waren zweitrangig. Licht und Linse wirken Wunder. Wenn ich ein Lied komponiere, muss sich erst eine Tür öffnen. Du brauchst Geduld, um den Schlüssel zu finden, aber wenn du drinnen bist, ist es wunderbar.

kulturSPIEGEL:
Sind die Bilder gelungen?

Reed:
Sie sind sogar in dieser Ausstellung. Aber ich werde Ihnen nicht sagen, welche. Sie wissen ja - die Phantasie.

kulturSPIEGEL:
Ihre Fotoarbeiten tragen Namen. Soll das der Phantasie des Betrachters auf die Sprünge helfen?

Reed:
Nur weil es mir Spass macht, Dinge zu benennen. Ich hätte mich ja auch für "Bild 1, 2, 3" und so weiter entscheiden können. Das ist langweilig. Ich spiele gern mit Worten. Ich dichte ja auch die Texte zu meiner Musik. Das gehört zu meinem Beruf. Ich muss jetzt los. Sie haben mich noch gar nicht nach meinen Lieblingsfotografen gefragt.

kulturSPIEGEL:
Also?

Reed:
Nan Goldin. Anton Corbijn. Cindy Sherman. Und Gottfied Helnwein. Ich liebe Gottfried Helnwein.

kulturSPIEGEL:
Warum?

Reed:
Kann ich nicht erklären.

kulturSPIEGEL:
Mögen Sie es, fotografiert zu werden?

Reed:
Ich hasse es. Ich mache den Mist nur mit, um Platten zu verkaufen.

kulturSPIEGEL:
Gefallen Ihnen Ihre Plattencover?

Reed:
Nicht, wenn ich darauf zu sehen bin. Am schlimmsten sind CDs. Es ist vollkommen sinnlos, sich für so ein Format noch Mühe mit den Fotos zu geben. Und dann zersplittern diese grässlichen kunststoffdinger auch noch, sobald man sie nur berührt.

Fakel, Russia, 20. May 2002
Interview with Gottfried Helnwein
This interview is in Russian (Cyrillic fonts) and will not load correct here. To read, click here

Ober-ÖsterreichischeNachrichten, Krems, 01. June 1999
ERKLÄRUNGENZUR KUNST SIND SINNLOS
Interview:Maler Gottfried Helnwein zu seiner "Apokalypse" in derDominikanerkirche
Irene Judmayer

GigantischeKulisse für eine irritierende Schau großformatiger Bilder:Der 1948 in Wiengeborene Maler Gottfried Helnwein zeigt in der sakralen Wucht derDominikanerkirche Krems seine "Apokalypse". Einen Bild-zyklusanläßlich der "Großen Prophezeiungen", heuer Motto des nö.Donaufestivals. Die OÖN sprachen mit dem Künstler, der seit 1997 in Irland lebtund einer der International (u.a. in Japan, China, Finnland, USA, Russland)präsentesten aktuellen Maler Österreichs ist. Erstmals seit sechs Jahren stellter wieder in seiner Heimat aus.

OÖN:
DieThematik der Apokalypse war immer Teil Ihrer Arbeit. Warnung, Aufzeigen vonGegenwart oder Endzeitvision?

Helnwein:
Nein,nein. Ich will weder aufzeigen noch erklären. Ich denke, daß dieses Themaeinfach etwas erfaßt, das stets da war in der Menschheitsgeschichte. Diemögliche Katastrophe, die mögliche Endzeit. Das hat es immer gegeben. Ich machemeine Bilder intuitiv, will niemanden belehren, niemandem irgendwelcheAntworten geben.

OÖN:
Wasist für Sie das Spannende an dieser Ausstellung?

Helnwein:
DasAufregende ist, daß ich da einen phantastischen Raum zur Verfügung habe. DieDominikaner wurden hingeschickt, um mit Ketzern und Andersgläubigen sehr brutal "fertig" zu werden. Waren die Jesuiten mehr die intellektuelle Elite,so verkörperten die Dominikaner die ideologische Sturmtruppe, eine Art SA derKirche. In so einem Raum, der tausend Jahre Geschichte trägt und so gigantischeDimensionen hat, eine Ausstellung machen zu können, ist für mich sehr spannend.

OÖN:
Worin liegt die Schwierigkeit, dieser architecktonischen und inhaltlichen Kraftüberhaupt entsprechend begegnen?

Helnwein:
Es gilt, dieser Macht etwas entgegenzusetzen, das dem Raum eine neue Spannungvermittelt. Das birgt sowohl Gefahr als auch Chance. Der Raum ist eine echteHerausforderung, weil er durch seine Höhe fast alles im Keim erstickt.
Daswar ja bewußt so gebaut, daß man sich in diesen Sakralbauten noch kleiner, nochelender vorkam. Auch wir sind immer noch komplett sprachlos, wenn wir dadarinstehen. Da versteht man dann, warum diese Priesterschaften alles dominierthaben. Es ging da nicht bloß um Spiritualität, sondern um eine Priester-Kaste,die dem Staat eine Ideologie vorgibt.

OÖN:
DieKunst war ja in der katholischen Kirche stehts in diese Struktur eingebunden.

Helnwein:
Ja,das ist auch die große Stärke der katholischen Kirche. Aufgrund ihrer "Propaganda" ist es zu phantastischen Kunstwerken gekommen.

OÖN:
Siehaben Ihre Arbeiten eigens für dieses Kirchenschiff entwickelt?

Helnwein:
Etwazwei Drittel der Werke entstanden direkt für den Raum. Wenn man da unten kleineBilder aufhängt, das übersieht man. Ich wollte hier ja auch eine ArtGesamtkonzept entwickeln, auf die Raumdimension eingehen.
Ichhabe sowohl die gemalten, als auch die fotographischen Bilder vergrössert aufFormate, die der Raum braucht.

OÖN:
Wieist es mit dem Aktualitätsbezug der Werke?

Helnwein:
Ichglaube, dass sich die Bilder für den Betrachter vor dem Hintergrund der Ängste,die es gibt, schon entschlüsseln.
Ichkann sie aber nicht erklären, Erklärungen für Kunst sind ohnehin sinnlos, sie zerstören alles.

OÖN:
AproposErklärung. Wie stehen Sie zur momentan massiven analytischen Kunstvermittlung?Verliert Kunst dadurch einen Teil ihrer Aura?

Helnwein:
MitSicherheit. Alles analytisch über den Kopf, über die Ratio zu machen, damitkommt man der Kunst nicht wirklich nahe. Der wichtigste Teil ist das, wasjemand intuitiv, also sinnlich wahrnimmt. Nur so kann sich Kunst vermitteln.Egal ob dies Mozart oder zeitgenössische Bildende Kunst ist.

OÖN:
Istfür Sie das Malen ein selbstquälerischer Prozess?

Helnwein:
Manleidet eher, wenn man den Ereignissen ausgesetzt und zur Tatenlosigkeitverurteilt ist. Aber wenn ich hingehe und mit meiner Kunst darauf reagiere, istes ein Akt der Befreiungn für mich selbst und für das Publikum.

OÖN:
Gibtes für Sie eine Funktion von Kunst?

Helnwein:
Ja,ich bin fest überzeugt dass Kunst die einzige Kraft ist, die alles verändern,transformieren, auflösen kann. Ich glaube auch, dass momentan Kunst masslosunterschätzt wird und immer, wenn die Kunst ihre Macht verliert, brichtDestruktion aus. Es ist zwar nicht rational beweisbar, aber langfristig seheich nur die Kunst als echte Gegenkraft zu den destruktieven Kräften.

WENNENGEL FALLEN, DANN TUN SIE DAS KOPFÜBER

DominikanerKirche, Krems. Das Gotteshaus, längst seiner ursprünglichen Funktion enthoben,ist seit einigen Jahren Stadtmuseum.

Scheulächelnd neigt eine teutonische Madonna an der linken Wand den Blondkopf. Dasnackte Kind auf den Knien. Rundum Männer, das Haupt gesenkt. "Epiphanie. Anbetung der Drei Könige" heisst es, "Anbetung der Hirten" einzweites in ähnlicher Manier. Doch es wär nicht von Gottfried Helnwein, wär dieIdylle nicht radikal gebrochen. Hohe Nazi-Schergen zollen statt der drei Weisenaus dem Morgenland dem Gebärtier und dem zukünftigen Kanonenfutter Tribut.
DerleiRadikalität ist Helnweins Markenzeichen und auch in diesem Zyklus "Apokalypse" spielt er mit bekannten Mechanismen. Mit derGratwanderung zwischen Ekel und Faszination bei Tod, Verletzung, Behinderung.Opfer gewaltsamer Eingriffe im Tiefgeschoss und oben statt derKreuzwegstationen. Statt der Heiligen hängen Musikstars in Nischen und anWänden. Fehl- und Totgeburten vertrten die üblichen Putti als "Angels" auf den Emporen. Gemaltes, Fotografiertes digital aufLeinwand übertragen, malerisch überhöht. Wolfsrachen, Down-Syndrom, Wasserkopf.Präzise formulierte Bewusstmachung als künstlerische Botschaft. Im perfektenmalerischen und literarischen Gestus eines perfiden Bild-Geschichtenerzählers.
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Brutal auch sein "Selbstporträt" in linken Winkel. Dort, wo sich oft einGekreuzigter findet, oft eine Schmerzensreiche. Das Triptychon zeigt Helnweinselbst. Übermalt, überwuchert. Ein höchst strenges Symbol für die eigeneKrankheit.
Alldies wird beherrscht von dem gigantischen Altarbild, das ebenfalls einen seiner "Angels" präsentiert: Ein durchsichtig geäderter Fötus, der dem Bodenentgegenstürzt. Nonstop offenbaren sich hier dem Betrachter Zustände innererUnruhe.
Soist es eben: Wenn Engel fallen, dann tun sie das kopfüber. Und immer ohne Netz.

For complete interview with pictures, click here: http://www.gottfried-helnwein.at/presse/local_press/artikel_29.html

profil, Wien, Mai, 1999
DASS DIE GESELLSCHAFT DIE KUNST FÜRCHTET
Gottfried Helnwein über seine späte Entdeckung der Renaissance und den Performance-Künstler Muhammad Ali
Horst Christoph

profil:
Sie sind Anfang der siebziger Jahre mit dem Satz zitiert worden "Ich habe von Walt Disney mehr gelernt als Leonardo da Vinci". Ein damals provokantes Statement für einene Absolventen der ehrwürdigen Wiener Akademie der bildenden Künste am Schillplatz. Unterschreiben Sie den Satz heute noch?

Helnwein:
Er stimmt nur noch zum Teil. Ich sehe die Dinge heute viel differenzierter.

profil:
Es ging um die Grenzen zwischen E- und U-Kunst, zwischen sogenannter ernster und sogenannter Unterhaltungskunst, die Sie strikt ablehnten?

Helnwein:
Das hat für mich mehr denn je Gültigkeit. Alles, was ich inzwischen erlebt habe, bestätigt, dass diese Unterscheidung willkürlich und falsch ist. Es gab da inzwischen im Museum of Modern Art in New York diese Ausstellung "High and Low". Da sind die Kunstexperten von ihrem Olymp heruntergestiegen und haben die Comics genauso Ernst genommen wie die Kultbilder, zu denen sie Roy Lichtenstein aufgeblasen hat. Der "Witzezeichner" Robert Crumb wurde plötzlich als grosser Künstler entdeckt, dessen Arbeiten heute immense Preise erzielen. Oder nehmen Sie den Grenzgänger Oliviero Toscani mit seinen Benetton-Plakaten - das ist aufregender als vieles, was in den grossen Museen hängt.

profil:
Was hat Sie selbst zur U-Kunst oder Low-art gebracht?

Helnwein:
Mich hat der ganze Kulturbetrieb nicht interessiert. Mich haben von Kind an Comics interessiert und Musik, die Rolling Stones und Jimi Hendrix, und ich habe mir immer gesagt, so müsste man auch malen können. Ich habe natürlich am Anfang Bilder gemacht, und die sollten ausgestellt werden, aber ich habe immer das Gefühl gehabt, das kann's nicht sein. Und dann kam diese Idee, ein Cover zu machen, für Profil. Das war für mich so eine Sternstunde. Ich habe gedacht, das ist phantastisch, da liegt mein Bild injeder Trafik (=Kiosk) und jeder, der dort mit fadem Auge seine Zigaretten kauft, muss wenigstens kurz draufschaun. Ich habe das als eine Ausstellung gesehen, die in ganz Österreich läuft.

profil:
Das war 1973, und Sie haben in den folgenden Jahren für alle internationalen Top-Magazine gearbeitet, von "Spiegel" und "Stern" bis "L'Espresso" und "Time". Wie ist das im Einzelfall vor sich gegangen?

Helnwein:
Ich war nie in meinem Leben ein Gebrauchsgrafiker oder Illustrator, sondern ich habe einfach die Magazine für meine Themen benützt...

profil:
Physische Gewalt, Verletzung, Folter...

Helnwein:
...und die Magazine haben mich benützt fuer ihre Coverstories über Selbstmord, Manipulation der Intelligenz, ärztliche Kunstfehler, Drogen, Angst...

profil:
Ihre Themen - die verdrängte, versteckte und perfide Gewalt, als deren Opfer Sie immer wieder das Kind ausfindig machten - waren damals tatsächlich Generalgegenstand der kritischen Medien: als Korrektur zur Zukunftseuphorie und zur Verdrängung der Vergangenheit, wie sie in Österreich fuer die Kreisky-Äratypisch waren?

Helnwein:
Ich habe damals, parallel mit Manfred Deix, einen profil-Cartoon über die Tötung von Kindern unter dem NS-Psychiater Heinrich Gross gemalt: dem Kopf eines Kindes in einem Teller mit vergiftetem Speisen. Jetzt, nach zwei Jahrzehnten, habe ich das Foto von so einem Kind, präpariert in Formaldehyd, gesehen. Es hatgenauso ausgesehen wie das auf meinem Bild.

profil:
War es schwer, Ihre Titelbilder zu verkaufen? Ihr zweites profil-Cover - ein zwischen Erwachsenenhänden gequetschter Kinderkopf zum Thema Intelligenzmanipulation - provozierte eine bis dahin nicht erlebte Leserempörung, inclusive Abbestellungen von Abonnements.

Helnwein:
Etwa zwei Drittel dessen, was ich gemacht habe, ist nie erschienen, weil es entweder zu extrem war oder nicht gepasst hat. Besonders der "Spiegel" war da sehr heikel. profil hat sich einiges mehr getraut.

profil:
Ihr Thema war und ist die alltägliche Gewalt. Die hat auch - in seinen Siebdrucken über Autounfälle, Flugzeugabstürze oder elektrische Stühle - Andy Warhol behandelt. Im Gegensatz zu ihm aber haben Sie Ihren Fotovorlagen einen Twist ins Unheimliche, Makabre gegeben, der Ihnen in den Medien den Titel "Schockmaler" eingetragen hat.

Helnwein:
Ich bin eben nicht in Amerika, sondern in Österreich aufgewachsen. Dieses Abgründige, Schwarze, der Schmerz, das ist schon sehr Österreichisch. Es ist halt kein Zufall, dass Sigmund Freud oder Leopold Ritter von Sacher-Masochaus diesem Biotop kommen. Oder der Bildhauer Franz Xaver Messerschmidt mit seinen grimassierenden "Charakterköpfen".

profil:
Die übrigens wiederum Arnulf Rainer fasziniert haben. Es erstaunt, dass Sie sich als österreichischer Künstler sehen; Sie haben doch Österreich den Rücken gekehrt.

Helnwein:
Mich hat immer Unzufriedenheit mit dem, was ich gerade mache, weitergebracht. So habe ich Anfang der achtziger Jahre einen radikalen Schnitt vollzogen. Ich habe mit den Covers aufgehört, endgültig, das was ausgereizt. Und ich bin mit meiner Familie nach Deutschland gegangen - auf Distanz zum Bekannten, Vertrauten. Ich habe dabei eine ungeheure Freiheit empfunden und schlagartig anders gemalt. Erst in der Distanz ist mir auch dieses Österreichische bewusst geworden, und habe ich es kritisch weiterentwickeln können. Ich brauche die Distanz. Ganz im Gegensatz zu meinem immer noch besten Freund Manfred Deix. Der braucht Nähe, um produktiv zu sein.

profil:
Peter Gorsen, der Kunsthistoriker, der Sie von Anfang an ernst nahm, beschrieb Ihre frühe Arbeit als Beispiel für Walter Benjamins Foderung an "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit". Sie selbst haben einmal das Originalkunstwerk als den "Edelabfall" bezeichnet, der nun einmal notwendig ist als Vorlage für die Ihnen wichtiger erscheinenden Reproduktionen. Das gilt aber offensichtlich schon lange nichtmehr. Sie stellen jetzt vorwiegend Originalbilder her.

Helnwein:
Da hat es auch so eine Zäsur gegeben. Mich haben lange Zeit die tivialen Qualitäten interessiert, die für die Kultur des20. Jahrhunderts wichtig sind: Donald Duck, Comics, Rockmusik, Film. Ich habe mich ganz bewusst der Museumskunst verweigert und diese nicht einmal wahrnehmen wollen. Es war dann in der National Gallery in Washington, dass mir ein Bild von Kadinsky,- dessen Kringeln und Striche mir auf den Reproduktionen, die ich kannte, immer als besondere Scheisse vorgekommen waren - ein richtigen Schock versetzt hat. Das hat vibriert, da war eine unglaubliche Energie konzentriert, und da habe ich gemerkt, es gibt Dinge, die man nicht reproduzieren kann, die nur als Original Qualität haben.

profil:
Haben Sie damals auch Ihr Verhältnis zu Leonardo revidiert?

Helnwein:
Das war noch später. Ich bin erst vor etwa zehn Jahren zum ersten mal in den Uffizien in Florenz gewesen. Ich hatte vorher noch nie Renaissancebilder gesehen und habe mir diese ganz distanziert angeschaut, ohne positive oder negative Vorurteile. Einfach so, wie man Arbeiten von Kollegen sieht und sich überlegt, wie macht der das und welche Wirkumg erzielt er damit. Und da habe ich Bilder gesehen, die mich ungeheuer beeindruckt haben. Da habe ich schockartig erfahren, was die Aura oder die Magie eines Originals ist. Die wird es immer geben. Trotz aller technischer Medien, trotz Cyberspace. Es wird immer neben dem Film das Theater und die Performance geben. Neben der CD den schwitzenden Rockmusiker auf der Bühne.

profil:
Ihre Bilder hängen inzwischen in anerkannten Museen, dem Folkwang-Museum in Essen, im Smithonian Institute in Washington. Besitzt das Museum moderner Kunst in Wien Helnweins?

Helnwein:
Nein, aber die Albertina hat Blätter.

profil:
In der Ausstellung, die Sie gerade in der Dominikanerkirche in Krems vorbereiten, fallen ausgesprochene Grossformate auf, auch mehrteilige grossformatige Bilder.Was bedeutet Ihnen die Größe eines Bildes?

Helnwein:
Große Bilder sind eine Herausforderung, sie machen mir Spass. Ich habe inzwischenauch die Bedeutung von Räumen für Bilder erkannt, wie hier in dieser Kirche. Es gibt heute viel zuwenig Bilder, die für Räume gemacht werden.

profil:
Ihre Themen sind die gleichen geblieben, Ihre Ausdrucksmittel haben sich sehrerweitert: Es gibt die Fotografie, die nachgemalte eigene oder fremde Fotografie, die fotografierte Aktion, oder umgesetzt in Malerei, den grossformatigen Druck auf Kunststoff. Sie arbeiten mit dem Computer und nachwie vor mit dem Zeichenstift...

Helnwein:
Im Vordergrund steht immer das Thema. Ich bin Künstler geworden, weil ich Themen, die mich bewegt haben, vermitteln wollte, und habe nach Techniken gesucht, die das rasch und überzeugend umsetzen. Ich finde es herrlich, dass jetzt, am Endedes Jahrhunderts, alle Techniken, Stile und Medien gleichberechtigt nebeneinander stehen. Dass sich der Künstler ihrer bedienen kann, ohne deswegen in Kategorien oder Hierarchien gezwängt zu werden.

profil:
Sie haben immer wieder Menschen fotografiert oder gemalt, häufig waren das gebrochene Portraits, die die Kehrseite von Medienidolen zeigten - Keith Richards, Andy Warhol, Michael Jackson. Eine Person aber hat Sie ganz besonders beeindruckt: Muhammad Ali, nach dem Sie sogar Ihren Sohn Ali genannt haben. Was hat Sie an diesem Boxer so fasziniert?

Helnwein: Die Kategorie Boxer fällt mir bei seinem Namen zuletzt ein. Muhammad Ali ist für mich ein begnadeter Performance-Künstler. Was er gemacht hat, ist für mich bedeutende Kunst: Wie er aufgetreten ist, wie er mit dem Medien gespielt hat, seine Posen, sein Gestus. Er war ein genialer Spassmacher, ein Dichter, Sänger, Tänzer. Denken Sie an den Ali-Shuffle.

profil:
An die Fransen an seinen Stiefeln, die im Fernsehen den Blick magisch auf sein Beinspiel gezogen haben.

Helnwein:
Mich hat fasziniert, wie viele Menschen da bei uns um drei Uhr in der Nacht gesessen sind, um diesen schrecklichen Kampf gegen Joe Frazier zu sehen...

profil:
Bei dem das amerikanische Fernsehen Alis Niederschlag wieder und wieder in Zeitlupe gezeigt hat, so als wolle man ihn tausend Tode sterben lassen.

Helnwein:
Das war blanke Rache für einen einzigen Satz, der zu den wichtigsten Aussagen dieses Jahrhundert gehört. Muhammad Ali hat als Schwarzer gesagt: "Ich binder Grösste." Das durfte in Amerika kein Schwarzer sagen, aber Muhammad Ali hat es gesagt. Das war ärger als seine Namensänderung, sein Übertritt zum Islam und dieWehrdienstverweigerung im Vietnamkrieg. Wenn er, einer der charismatischsten, liebenswertesten und warmherzigsten Menschen, die ich je getroffen habe, sich jetzt mit seiner Parkinsons-Krankheit so erbärmlich dahinschleppt, so sehe ich darin die Rache der Gesellschaft am Künstler. Gleichzeitig aber ist Muhammad Ali der Beweis dafür, dass die Gesellschaft die Kunst ernstnimmt und fürchtet.

Die Ausstellung: APOKALYPSE. Malerei, Fotografien, computergenerierte Bilder von Gottfried Helnwein. Im Rahmen des niederösterreichischen "donau festival99" in der Dominikaner Kirche Krems, 13. Juni bis 31. August, Di.-So.,10-19 Uhr.

For complete interview with pictures, click here: http://www.gottfried-helnwein.at/presse/local_press/artikel_30.html

Die Welt, Forum, 2. November 1998
KOMMT IHRE KUNST OHNE LÜGE NICHT AUS HERR HUNDERTWASSER?
Michael Martens
Interview mit Friedensreich Hundertwasser
(Auszug)

WELT: Im Werk eines anderen österreichischen Künstlers, bei Gottfried Helnwein, nehmen Häßlichkeit und Grausamkeit, vor allem Kindern gegenüber, eine zentrale Rolle ein.

Hundertwasser: Helnwein ist vor allem ein Fotokünstler. Er verstärkt das fotografische Abbild in dramatischen Ausdrücken. Es stimmt, bei ihm nehmen Häßlichkeit und Gewalt eine zentrale Rolle ein, aber nicht um ihrer selbst willen, sondern mit Gründen.

WELT: Helnweins Kunst achten Sie also?

Hundertwasser: Ja, obwohl es trostlos ist und zu nichts führt. Da sehe ich keine Lösung.

WELT: Es gibt viele Menschen, die nicht mehr an Lösungen glauben.

Hundertwasser: Ich denke, der Künstler soll eine Verantwortung tragen. Der Maler hat eineVerantwortung für die optische Umwelt.

WELT: Wie soll er dieser Verantwortung gerecht werden? Durch Provokation, in dem er das Negative, Häßliche überspitzt darstellt und noch negativer und häßlicher erscheinen läßt?

Hundertwasser: Provozieren darf der Künstler nur, wenn es einem Zweck dient, um Menschenaufzurütteln. Provozieren um der Provokation willen, Häßlichkeit um ihrer selbst willen ist schädlich.

VollständigesInterview: Archiv, Die Welt: http://www.welt.de/daten/1998/11/02/1102fo80593.htx

Wiener Zeitung, 05. September 1997
EMOTIONEN ALS BESTÄTIGUNG
Gottfried Helnwein über den Grat zwischen Massenwirkung und Vereinnahmung
Michael Martens

Die Liste der vermeintlichen Mythen unseres Jahrhunderts, der Stars der Popkultur, deren Nähe Sie gesucht und die Sie fotografiert haben, ist lang: Mick Jagger und Keith Richards gehören dazu, auch David Bowie, Michael Jackson, Andy Warhol, Sting, Muhammed Ali und so weiter. Was gab jeweils den Ausschlag für Sie, sich mit diesen Personen treffen zu wollen, sie vor der Kamera zu haben? War Sympathie dabei, Verehrung, oder auch Abneigung in einigen Fällen?

Helnwein: Es war immer Neugierde. Ich wollte immer wissen, warum die Menschen Idole brauchen.

Helnwein: Es gab Menschen, die ich bewundert habe. Als Sechsjähriger habe ich Donald Duck und Elvis Presley bewundert. Elvis Presley war wie ein Beispiel aus einer anderen, wunderbaren Welt für mich, wo nicht alles dunkel und grau und schwammig und aufgedunsen war. Was sagte er uns mit dem, was er machte? Er sagte: Das alles ist mhglich. Das erstaunliche an Elvis war für mich, zu sehen, daß jemand so schön sein kann. Das wußte ich gar nicht. Elvis Presley war der erste schöne Mensch, den ich sah. Wie ein Engel. Das war ein Gegensatz zu den gedrungenen, verkniffenen, katholischen Nazigesichtern in Wien.

Helnwein: Nicht für mich, für die Menschheit. Ich hatte aus verschiedensten Gründen Interesse an diesen Menschen.

Helnwein: Jeder der Porträtierten hat eine bestimmte Welt verkörpert. William Burroughs hat mich wegen "Naked Lunch" interessiert und weil er ein Inspirator war für viele andere Künstler. Wie jeder Künstler hatte er die Sehnsucht, Grenzen zu überschreiten. Das gelingt den meisten nur teilweise, weil jeder sehr viel Bürgertum in sich hat, und ganz wenige gehen so weit wie Burroughs. Der Grund, warum ich ihn fotografieren wollte war, daß alle Fotos, die ich von ihm kannte, mir nie das gezeigt haben, was ich sehen wollte. Durch die Bilder, die ich von Burroughs kannte, erfuhr ich etwas über den jeweiligen Fotografen, aber nichts über den Fotografierten. Fotos von Maplethorpe sagen viel über ihn selbst aus und über seine Vorstellung von Ästhetik, aber sein Norman Mailer sieht genauso aus, als wenn er ein Stilleben mit einer Lilie fotografiert. Auch bei den Arbeiten von Helmut Newton lerne ich vor allem etwas über den Fotografen. Von Foto zu Foto weiß ich mehr über die Welt von Newton, aber über die dargestellten Menschen weiß ich nichts. Die werden alle Newtons. Wenn ich Fotos mache, habe ich keine Idealvorstellung, wie jemand gesehen werden sollte. Ich bin nur neugierig. Ich wollte sehen, ob es möglich ist, auf einem Foto etwas sichtbar zu machen, was man mit dem freiem Auge nicht sieht.

Wenn Sie den Menschen dann gegenüber sitzen, wie bauen Sie Vertrauen auf? Wie konnten Sie Arno Breker überreden, sich mit einem Foto von Beuys in der Hand fotografieren zu lassen?

Helnwein: In der Regel ist es leicht gewesen, Vertrauen zu schaffen, weil ich den meisten nicht unbekannt war. Ich komme nicht als Journalist oder Fotograf zu den Menschen, sondern als Künstler. Zu einem Kollegen haben die meisten mehr Vertrauen. Im Falle Breker war ich sehr überrascht, als ich vor einigen Jahren zufällig erfuhr, daß er zu dem Zeitpunkt überhaupt noch lebte. Ich habe mich mit jener Zeit sehr beschäftigt, Geschichte ist eine Leidenschaft von mir. Ich hin interessiert daran, an authentische Quellen heranzukommen. Ich habe eine Sucht nach Authentizität, weil sekundäre Quellen oft zweifelhaft sind. Was die Nazizeit angeht, gibt es noch die täglich schwindende Möglichkeit, mit Zeitzeugen in Kontakt zu treten. Die Vorstellung, mit jemandem wie Breker zu sprechen, mit jemandem also, der im Zentrum der Macht war, fand ich faszinierend. Dann hat Breker ein Bild von mir gesehen, eben jenes Beuys-Bild, und er sagte in einer für mich vielleicht peinlichen Bewertung, die Technik des Bildes sei unglaublich gut. Daraufhin war ich einen ganzen Tag bei ihm. Es war faszinierend, mit ihm, diesem Feindbild der Kunstwelt, zu reden. Nach dem Zusammenbruch des Dritten Reiches war dieser einst gefeierte Mann von einem Tag auf den anderen für den Rest seines Lebens Abschaum, was sicher auch mit dem Bedürfnis der Menschen zusammenhängt, für das Gute wie das Böse holzschnittartig Identifikationsfiguren zu haben. Man hat nach 1945 alles Schlechte auf ihn projiziert. Er ist dann nie damit fertig geworden, daß sich die Welt, in der seine Ästhetik triumphiert hat, über Nacht gewandelt hat in eine Welt, in der er nur noch ein Monstrum war. Ich glaube, er ist ein völlig unpolitischer Mensch. Er war nie ein fanatischer Nazi, aber er war naiv. Naiv in einer Weise, wie man es nicht sein sollte. Er sah sich als einen Renaissancekünstler, der die klassische Tradition weiterführt. Ein Erbe und ein Bewahrer der abendländischen Kunst. Diese Art von Künstler braucht immer die Medici, einen Herrscher als Auftraggeber. Nur hatte er das Pech, nicht Michelangelo zu sein. Sein Auftraggeber war nicht Papst Julius, sondern Adolf Hitler.

Helnwein: Als ich ihn fragte, was er damals über die Kunst dachte, die aus den Museen geholt, verbrannt und als entartet bezeichnet wurde, hat er plötzlich nichts mehr gehört. In solchen Momenten streikte sein Hörgerät. Es gibt da Parallelen bei Riefenstahl und bei Breker, denn beide haben sich später auf ähnliche Weise zu rechtfertigen versucht. In Brekers Atelier standen fast ausschließlich Büsten von Negern oder Juden. Ernst Fuchs hat er porträtiert mit einer Kappe, auf der lauter Judensterne drauf waren. Außerdem stand da eine frühe Arbeit von ihm, ein sehr großer, schöner Zigeuner-junge. Und Leni Riefenstahl ist nach Afrika gegangen, hat mit einem Negerstamm gelebt und alle fotografiert. Ich habe den Eindruck. hei beiden war das ein Versuch, das eigene Bild in der Geschichte zu korrigieren. Früher haben sie dem Bild des Herrenmenschen gedient, dann haben sie sich dem Untermenschen gewidmet, um eine Balance herzustellen in ihrer Biographie.

Ihr Fotoporträt von Michael Jackson ist eher respektlos. Sie sind so nah an ihn herangegangen, daß man das ganze Elend dieses Menschen sieht: Seine kaputte Haut, übersät mit kleinen Pusteln oder. Flecken, nur notdürftig mit viel Puder kaschiert, seine völlig unnatürliche Schweinchennase. Bei anderen Bildern haben Sie die Beleuchtung etwas freundlicher gestaltet, Michael Jacksons Gesicht dagegen ist einem schonungslos-grellen, hellweißen Licht ausgesetzt. Da haben Sie eiskalt einen Mythos zerstört.

Helnwein: Er hat den Katalog mit seinem Foto noch nicht gesehen, aber er wäre sicherlich nicht zufrieden. Normalerweise kann ihn niemand so fotografieren. Ein wichtiger Teil seines Kapitals ist sein Gesicht, und das hütet er. Kaum jemand sieht ihn persönlich. Alle Fotos, die von ihm im Umlauf sind, versucht er zu kontrollieren. Er wählt aus, welche veröffentlicht werden, dann läßt er sie noch retuschieren, da geht nichts ungeplant an die Öffentlichkeit. Er erschafft sein Image. Von allen Fotos, die ich gemacht habe, ist das, was ich dann später veröffentlicht habe, das vorsichtigste.

Helnwein: Man kann natürlich nicht einfach so zu ihm hingehen. Offensichtlich kannte er meine Malerei. Als er auf Konzerttournee in Europa war, habe ich über das Management anfragen lassen, ob man ihn fotografieren kann, und dann hieß es, Jackson sei seit langem ein Fan von mir und begeistert von der Idee, ich solle sofort kommen. Ich habe seitdem regelmäßig Kontakt mit ihm. Wir treffen uns und reden über Kunst.

Helnwein: Er interessiert sich sehr für bildende Kunst. Er fragt mich andauernd aus über verschiedene künstlerische Techniken. was ich von Michelangelo halte oder von Bougreaud. Als wir einmal eine Stunde über Kunst gesprochen hatten, sagte Lisa-Maria Presley, seine damalige Frau, nachdem er weg war, "Was ist passiert? Der war ja ganz normal!" Es ist sehr selten, daß man mit ihm normal reden kann. Er ist sehr eigenartig. Ich denke, in Wirklichkeit ist dieser Mensch hochintelligent und skrupellos. Ich meine skrupellos nicht abwertend.

Helnwein: Im Sinne von nicht zögerlich. Er macht die Dinge, die wichtig sind für das, was er erreichen will: Er will ein Gott sein. Ich war hei einem Konzert von ihm und habe die ganze Zeit gedacht: Was wie dieser Mensch, wozu macht er das, was hat er vor? Es geht ja nicht m~ wirklich um die Musik bei ihm. Er will sich so in die Hirne der Menschen brennen. Dafür nützt er jede Sekunde seines Lebens. Im Gegensatz zu der Vorstellung, daß Gott einen Menschen erschafft, haben wir hier einem Menschen, der eine Gottheit erschafft.

Helnwein: Ich habe vor allem Respekt, was nicht Durchschnitt ist. ist. Es gibt und gab niemanden, der so ist wie Jackson, und jeder, der eine neue Sichtweise in die Welt bringt, der ihr ein neues Modell anbietet, fasziniert mich. Das größte Raffinement entwickelt er in der Kunst der Verstellung. Er stellt sich als ganz schwach und zerbrechlich dar und irritiert damit seine Gegner. Die werden nachlässiger. Ich glaube, daß Künstler generell gefährdeter sind als andere, denn allein durch die Tatsache, daß sie Künstler sind, befinden sie sich im Widerspruch zu der Gesellschaft, in der sie leben. Daher entwickeln sie Strategien, um sich zu schützen. Das ist wie die Märchengeschichte vom "Wizard of Oz", wo das Mädchen zum Schluß vor dem grauenerregenden, riesigen Gesicht des Zauberers steht und durch Zufall entdeckt. daß hinter einem Vorhang ein kleiner alter Mann steht und nur mittels Projektion zu einem Riesen wird. In Wirklichkeit ist der böse Zauberer, vor dem sie die ganze Welt fürchtet, ein zitterndes Männlein. So kann man auch die großen Diktatoren der Weltgeschichte sehen. Ich glaube, daß Stalin und Hitler nichts weiter waren al armselige Würstchen, die sich durch Taschenspielertricks zu falscher Größe gebracht haben, bis sich die ganz Welt vor ihnen fürchtete.

Helnwein: Die Menschen sind auf seinen Theaterdonner hereingefallen. Auf die Tricks eines drogensüchtigen und außerordentlich dummen Mannes.

Sie setzen die Tradition der Verherrlichung mit anderen Mitteln fort. Empfinden Sie keine Skrupel, wenn Sie durch Ihre Arbeit dazu beitragen die Stars, die Götter unseres Jahrhunderts, denen viele blind folgen, zu glorifizieren?

Wird dieses Abzielen auf Massenwirkung auch künftig ihre Überlegungen bestimmen? Oder können Sie sich vorstellen, auch Wege zu gehen, auf denen ihnen niemand folgt? Wäre Ihnen das egal?

Helnwein: Beides hat eine Rolle gespielt, mit wechselnder Akzentuierung. Die ersten Sachen habe ich gemacht, weil mich interessiert hat, was passieren wird, wenn ich meine Ideen zeichnerisch umsetze. Andere Aspekte haben mich überhaupt nicht interessiert. Ich habe mich in den ersten Jahren geweigert, etwas auszustellen, ich wollte auch nichts verkaufen.

Helnwein: Das hat keine Rolle für mich gespielt. Später, zu Beginn der achtziger Jahre, hat mich ganz bewußt das Postulat der Pop-art interessiert, nämlich eine populäre Bildersprache zu entwickeln. Der Pop-art selbst ist das ja nie gelungen, sie ist elitär geblieben. Wirklich populäre und triviale Kunst in diesem Jahrhundert waren nur die Comic-Strips und die Verpackungen. Daraus hat die Pop-art nur zitiert.

Helnwein: Natürlich haben einige Werke der Pop-art auch Popularität erreicht, wie Warhols Monroe, die zur Ikone geworden ist oder Roy Lichtensteins weinendes Mädchen. Aber ihre Kraft beziehen sie von der wirklich trivialen Kunst. Sie sind nur Reflektionen von Comic-Strips und Werbung. Ich vermute, daß sich diese Wertigkeit, wenn man in einigen Jahrhunderten auf unseres zurückblickt, zugunsten von Comics und Werbung korrigieren wird. Heute noch gilt ein Comic-Strip als Abfall, es sei denn, er wird von Roy Lichtenstein zitiert. Dann ist er ? obwohl relativ schlecht gemalt - plötzlich viele Millionen wert. Ich vermute, das wird man einmal anders sehen. Denn die Trivialkunst der Comics, der Filme und der Rockmusik ist die originäre Kunst, prägend und typisch für dieses Jahrhundert. Wie jede große Kunst hat sie das Lebensgefühl ihrer Zeit widergespiegelt und mitgeprägt. Trotz allem hat mich die Pop-art sehr interessiert, ich denke sogar, daß sie wichtig ist, denn sie hat den trivialen Künsten zu einer anderen Wertschätzung verholfen. Ich wollte da noch weiter gehen. Ich wollte die Titelblätter von Magazinen mit Millionenauflage machen, und das habe ich dann ja auch. Ich habe zum Beispiel vom "Time Magazine" zusammen mit Rauschenberg den Auftrag bekommen, Deng-Xiau-Ping zu porträtieren. Ich wollte ganz bewußt den geheiligten Boden der Kunst verlassen, weil ich dort alles ekelerregend fand. Aber auch diese Phase war dann irgendwann vorbei.

Dennoch scheint auch Sie, gleich wie Sie sich drehen und wenden, jene Welt, die Sie als junger Künstler so verabscheuten, nämlich die Kunstwelt der Eingeweihten und Etablierten, mit Vernissagen bei Lachsbrötchen und Sekt, langsam zu absorbieren. Bald hier eine Ausstellung, bald da, die nächste in St. Petersburg, dann vielleicht Japan, und so weiter und sofort.

Helnwein: Was mich immer begleitet hat, war ein strenger, kalter Gegenwind, eine Gegnerschaft von allen Seiten, vor allem von sogenannten Experten. Daran hat sich nichts geändert. Meine Bilder haben immer sehr stark polarisiert. Es gibt Menschen, die bekommen Tobsuchtsanfälle, wenn sie sie sehen, und andere, die lieben sie. Zu sehen, was für Emotionen meine Bilder immer noch auslösen, ist für mich eine Bestätigung.

fotoMAGAZIN, 01. May 1996
Kunstmarkt
AEM
FOTOGRAFEN UND MALER
Interview mit dem Kunstsammler Peter Ludwig

Die Kunstsammler Irene und Peter Ludwig gehören zu den wichtigsten Sammlern moderner Kunst. Ohne das Engagement von Professor Ludwig und seiner Frau wäre Köln "kunstärmer". Das nach Mäzen Ludwig benannte Ludwig-Museum widmet sich auch der modernen Fotokunst. Derzeit wird eine maßgebliche Fotokunst-Ausstellung vorbereitet. Grund genug, den berühmten Sammler Mäzen zu seinem Verhältnis zu Fotokunst zu befragen.

fm: Wozu denn so etwas wie die Arbeiten von Richter oder Helnwein, die Lexikonfotos abmalten?

Ludwig: Der Künstler benutzt die Fotovorlagen, um daraus Bilder zu machen - und das ist etwas, was es schon im 19. Jahrhundert gab. Lehnbach hat seine berühmten Porträts der Zeitgenossen nach Fotos gemalt. Richter und Helnwein haben den Fotovorlagen einen zusätzlichen Akzent gegeben - sie haben sie in Bilder umgesetzt und nicht kopiert.

fm: Sie haben sich als renommierter Kunstkenner auch mit Gemälden beschäftigt, die nach Fotos gemalt wurden - etwa von Malern wie Gerhard Richter und Gottfried Helnwein. Beide haben Porträts gemalt "wie fotografiert" - was reizt Sie daran?

Ludwig: Das Foto ist seit der Erfindung der Fotografie ein wesentliches Medium auch für die Maler. Der ganze Impressionismus ist undenkbar ohne Fotografie. Der Bildaufbau der Impressionisten kommt von der Fotografie. Und bedeutende Impressionisten waren auch bedeutende Fotografen.

fm: Trotzdem: Wozu denn so etwas wie die Arbeiten von Richter oder Helnwein, die Lexikonfotos abmalten?

Ludwig: Eine ganz eigenständige Kunst von höchstem Rang. Man kann keine Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts schreiben ohne Fotografie. Die Fotografen haben bildkünstlerische Überlegungen mit einbezogen. Wir haben eine surrealistische Fotografie, die ohne surrealistische Bilder undenkbar ist. Und wir haben umgekehrt Kunstwerke, die auf Fotografien zurückgehen. Klar ist, daß legitim neben der Malerei die Fotografie einen eigenständigen Platz hat.

Ludwig: Nicht zeitgenössische, da gibt es hervorragende Sammler. Wir haben eine wichtige Sammlung russischer Avantgarde-Fotografie. Fotografie, die während und nach der kommunistischen Revolution in Russland entstanden ist. Solche Fotografien nehmen in der Geschichte der Fotografie einen ganz besonderen Platz ein. Dazu muß man wissen, unsere Sammlung - von meiner Frau und mir - ist in allem darauf aufgebaut, Informationslücken zu schließen. Zum Glück gibt es solche Lücken in den Fotosammlungen nicht, und hier bedarf es auch nicht unseres Engagement für Museen. Wir setzen uns aber nachdrücklich beim Museum Ludwig dafür ein, daß die Fotosammlung ständig ausgebaut wird.

fm: Die Fotoabteilung des Museums leidet aber darunter, daß sie kaum Ausstellungsräume besitzt...

Ludwig: Wir arbeiten daran, die Raumverhältnisse in Vereinbarung mit der Stadt Köln gerade für die Fotoabteilung wesentlich zu verbessern. Wir glauben, daß man in einem Museum der Kunst des 20. Jahrhunderts ständig Fotos ausstellen sollte.

Süddeutsche Zeitung Magazin, 04. August 1995
JÜNGSTES GERICHT, (ERSTES VORGESPRÄCH)
über sein Dasein auf Erden wird befragt: Gottfried Helnwein, 47, Künstler, z.Zt.Burg Brohl (Eifel)
(Auszug)

sm: Gottfried. Was für ein Name!

Helnwein: Ich habe mir diesen Namen wirklich nicht ausgesucht. Ich glaube nicht an Symbole, nicht an Namen, und an einen Gott glaube ich auch nicht. Meine Eltern waren streng katholisch. Ich war Ministrant, war auf einer Klosterschule, wurde von Jesuiten erzogen. Das ist vorbei. Over.

sm: Wenn Sie an diese Zeit zurückdenken: Ist da gar nichts Positives?

Helnwein: Nein, gar nichts. Auch so etwas wie Heimatgefühl habe ich nicht. Man sieht ja, wie wichtig es für viele ist zu sagen: Ich bin Serbe, ich bin Deutscher. Wenn einer unbedingt ein Bayer sein will, soll er. Ich kann so etwas nicht sagen. Ich will kein Katholik sein, kein Evangele, kein Moslem, nichts davon.

sm: Seit wann denken Sie so?

Helnwein: Eigentlich schon als Kind. In Wien, diesem braun-katholischen Sumpf Österreichs, waren Elvis und Micky Maus die einzigen Lichtblicke. Später kamen dann die Rolling Stones und die Beatles dazu.

sm: Sie klingen bitter.

Helnwein: Ja, ich bin wütend, wenn ich an meine Kindheit denke. Das ist das einzige, was ich in meinem Leben wirklich bedaure: daß ich eine so spießige Kindheit in einem katholischen Naziland verbringen mußte.

sm: Haben Sie schon mal darüber nachgedacht, daß Sie ohne diese Kindheit vielleicht nie der Künstler Helnwein geworden wären?

Helnwein: Das ist schon richtig. Aber so eine Kindheit, wie meine es war, ist einfach ein Verlust an Zeit. Als Kind habe ich immer Sehnsucht gehabt, andere Länder zu sehen, andere Sprachen zu sprechen. Diese Wünsche sind viel zu spät in Erfüllung gegangen. Deshalb sollten meine Kinder das wenigstens kennenlernen.

sm: Sind sie ein guter Vater?

Helnwein: Ich will auf keinen Fall die Fehler machen, die mit mir geschehen sind. Meine Kinder Cyril, Mercedes, Ali und Amadeus sind von klein auf mit mir gereist. Ich habe sie immer überallhin mitgenommen. Durch ganz Amerika, im Wohnmobil, aber auch in Luxushotels. Kinder lieben Hotels. Das sind für sie richtige Märchenschlösser. Aber Kinder sind mir nicht nur wegen meiner eigenen Vergangenheit wichtig. Kinder denken nicht in Schubladen. Sie sind chaotisch, also schöpferisch. Es ist so falsch, daß die Menschen ihre Kinder immer aus ihrer Welt ausklammern. Ich habe zwischen Erwachsenenwelt und Kinderwelt nie einen Unterschied gemacht.

sm: Was bezwecken Sie mit Ihrer Kunst?

Helnwein: Kunst muß man handhaben wie eine Waffe. Aus ästhetischen Gründen habe ich nie gemalt. Als Jugendlicher habe ich nur gewußt, daß ich etwas in der Welt verändern will. Als Politiker verändert man nichts. Als Terrorist verändert man nichts. Als Arzt kann man vielleicht etwas verändern.

sm: Glauben Sie, daß Sie das Grauen auf dieser Menschenwelt verringert haben, indem Sie es darstellen?

Helnwein: Ich glaube nicht.

sm: Traurig. Traurig.

Helnwein: Vielleicht ist es nur so verdammt schwer zu beweisen, daß Kunst etwas verändert. Aber: Wenn wir aus der ganzen Geschichte der Menschheit alles wegnehmen würden, was Kunst ist, also: Malerei, Literatur, Architektur, Musik, Mode und Design, - es bliebe nur ein Haufen von Gestörten übrig, die sich ständig abschlachten. Sie können ohne Kunst nicht mal einen ordentlichen Krieg führen, denn es gäbe ja nichts zu zerstören.

sm: Interessante These.

Helnwein: Ohne Kunst keine Geschichte. Egal, ob man an Ägypten, an die Gotik oder an China denkt - um Vergangenheit zu bestimmen, fällt uns immer sofort nur ein Kunstwerk ein. Die ganze Menschheitsgeschichte ist doch nur ein Kampf zwischen den Leuten, die etwas erschaffen, und jenen, die etwas zerstören wollen. Es ist dieselbe kreative Kraft, die jemanden die Atombombe konstruieren oder die Sixtinische Kapelle ausmalen läßt.

sm: Ein Bild von ihnen heißt "Gott in Panik". . .

Helnwein: Ich kann zu Gott gar nichts sagen.

sm: Aber zu Gott etwas malen, offenbar.

Helnwein: Wenn eine so lange Zeit, so viele Leute sich einen Gott wünschen, dann wird es möglicherweise einen geben. Man kann alles erschaffen. Aber zu dem Bild: Wenn ich Gott von dieser Welt wäre, wäre ich in Panik. Ist das etwa bei euch oben nicht so?

sm: Wir sehen vor allem, daß Helnwein in Panik ist.

Helnwein: Ich habe ganz naiv von Anfang an geglaubt, daß diese Welt eine Katastrophe ist und daß man die Menschen permanent daran erinnern muß. Ich habe nicht so gute Verdrängungsmechanismen wie die meisten anderen Menschen.

sm: Sie sind wütend auf die Menschen, aber im Grunde lieben Sie sie, nicht wahr?

Helnwein: Eigentlich ja. So komisch das klingt. Nur in der Masse werden sie gefährlich. Mich erschreckt, daß es das Ziel der meisten Menschen ist, bedeutungslos zu sein.

Sonntagszeitung, Zürich, 11. Dezember 1994
"WIE EINER DER GROSSEN MEISTER DER RENAISSANCE"
DER ÖSTERREICHISCHE MALER UND FOTOGRAF MACHT SICH FÜR DIE ANERKENNUNG DER DISNEYSCHEN SCHÖPFUNG ALS KUNST STARK
Helnwein, 46, ein Meister der Provokation, hält Walt Disney für so bedeutend wie Leonardo da Vinci und Rembrand.
von Roger Anderegg

SZ: Herr Helnwein, was hat dieses Jahrhundert Walt Disney zu verdanken?

HELNWEIN: Walt Disney hat völlig neue Medien entwickelt, den Comic-strip, wie wir ihn heute kennen, den Zeichentrickfilm, eine neue Sprache - insgesamt eine völlig neue Kunstform dieses Jahrhunderts, so wie Leonardo da Vinci oder Rembrandt ihr Jahrhungert prägten

SZ: Leonardo, Rembrandt und Disney in einem Atemzug - das ist wohl eine Helnweinsche Provokation?

HELNWEIN: Überhaupt nicht! Disney hat ja genauso gearbeitet wie die grossen Meister der Renaissance, nach dem Werkstattprinzip, wo also der Meister, eine Art Universalgenie, neue Welten, Universen erschafft, die dann von einem Heer von Künstlern realisiert werden.

SZ: Die Bedeutung von Walt Disney als Universalgenie blieb uns bisher verborgen.

HELNWEIN: Dass grosse Neuerungen zur Zeit ihrer Entstehung verkannt werden, war in der Kunstgeschichte immer so. Trotzdem haben ja inzwischen viele Menschen die Bedeutung von Disney erkannt. Sie strömen in Massen in Disney-Filme und konsumieren zu Millionen die Comics.

SZ: Deshalb wird das alles auch längst industriell hergestellt.

HELNWEIN: Was stört Sie daran? Auch in den Werkstätten der Renaissance wurde industriell gefertigt. Rembrandt und Rubens zum Beispiel haben viele Künstler ausgebildet, damit sie exakt in ihrem Stil und nach ihrem Standart arbeiten, Viele Bilder die ihnen heute zugeschrieben werden, haben sie gar nicht gemalt - die haben ihre Leute gemalt - sie haben nur signiert.

SZ: Der Künstler ist doch ein Individualiist, ein Einzelgänger.

HELNWEIN: Nicht zu allen Zeiten! Geschichtlich gesehen wurde Kunst die meiste Zeit industriell gefertigt. Denken Sie an die Ägyptische Kunst mit all diesen Wandmalereien und Reliefs oder an die beeindruckenden Bauwerke des alten Rom!

SZ: Aber Kunst als kreative individuelle Äusserung...

HELNWEIN: Oder nehmen Sie Andy Warhol, der ganz bewusst den Begriff der "Art Factory" geprägt hat, der "Kunstfabrik". Obwohl ich die Bedeutung Warhols nicht schmälern möchte - die wirkliche Kunstfabrik dieses Jahrhunderts hat Walt Disney gegründet.

SZ: Seine Kunst kommt vom Fliessband.

HELNWEIN: Die Künstler haben immer nach Möglichkeiiten gesucht, ihre Werke zu vervielfältigen: als Holzschnitt, Kupferstich, Radierung, Lithografie und so weiter. Sie haben sich dazu immer der jeweils modernsten techniechen Mittel bedient. Und das 20ste Jahrhundert hat eben einem Genie wie Walt Disney das Werkzeug in die Hand gegeben, um über alle Grenzen hinweg arbeiten zu können und seine Schöpfungen räumlich zu bewegen. Disney hat den jahrhunderte alten Traum aller Künstler verweirklicht und erstmals eine Kunstfigur geschaffen, die tanzen, singen und reden kann.

SZ: Jetzt tanzen seine Figuren stromlinienförmig und absichtslos durchs Jahrhundert.

HELNWEIN: Aber das ist doch typiisch für die Zeit! Das ist doch der Zeitgeist!

SZ: Aber es ist eine angepasste Kunst. Sollte Kunst nicht im Widerstreit sein mit der vorherrschenden Meinung?

HELNWEIN: Nicht nur und nicht immer. Die christliche Kunst war auch über zwietausend Jahre lang nicht im Widerstand zum Zeitgeist.

SZ: Sehen Sie in Disneys Kunst eine Entwicklung?

HELNWEIN: Aber sicher! Sie müssen nur die frühen Disney-Filme mit den heutigen vergleichen.

SZ: Die haben sich technisch weiterentwickelt. Gibt es aber auch neue Inhalte?

HELNWEIN: Die Kunst hat stets die gleichen Inhalte, ob es sich um ein Drama von Shakespeare handelt oder um einen Hollywoodfilm - es geht immer um die gleichen Anliegen, um einen Helden und einen Schurken, um den Kampf zwischen Gut und Böse, um Liebe und Leid.

SZ: Auch in Entenhausen ...

HELNWEIN: Kunst muss die Menschen berühren können. Und wenn ihr das mit einer neuen zeitgemässen Form gelingt, wird sie zur grossen Kunst. Deshalb sind für mich Picasso und Walt Disney die beiden bedeutendsten Figuren in der bildenden Kunst des 20sten Jahrhunderts.

For complete interview with pictures, click here: http://www.helnwein.ch/presse/local_press/artikel_50.html

Grants Pass, Oregon, 11. July 1992
HELNWEIN TALKS WITH CARL BARKS
Helnwein visits Carl Barks in Grants Pass, Oregon, July 11, 1992

Helnwein: How would you like the idea of building an actual Duckburg one day?

Barks: Who can tell what Duckburg really looks like?

Helnwein: If one studies your work carefully, there are a lot of indications. The money bin for example.

Barks: Yeah, the money bin is perhaps the outstanding building in Duckburg. But I remember one in which the opening panel was a picture of the ducks up on top of a sky-scraper, looking down onto a busy city with tall, mighty buildings, a wide river and steamboats.

Helnwein: I remember, yes.

Barks: But that wouldn't be the Duckburg that people should remember. It would have to be a smaller Duckburg, with Daisy's and Donald's house in it and a few blocks further Gladstone Gander's home; and naturally there would have to be Gyro Gearloose's workshop.

Helnwein: With all his absurd inventions, machines and robots...

Barks: And then up on the hill - the gigantic money bin...

Helnwein: On one side, the Beagle Boys would be drilling a hole into the exterior walls where the money would roll out. And inside the money bin, everything would be guarded by traps -- these old canons, for example, that suddenly pop out of the ground. I would construct them in such a way that they would actually function as you walk in.

Barks: Oh yeah, one could have a lot of fun with such a money bin.

Helnwein: Since my childhood, I have dreamed of being allowed to wallow in Uncle Scrooge's coins.

Barks: In Germany they are still printing a lot of these duck stories, aren't they?

Helnwein: Yes, I think Germany is the greatest market for Donald Duck comics worldwide. There you'll also find the most fanatical fans. Have you ever heard of the Donaldists?

Barks: The Donaldists?

Helnwein: It is an association. Or better, an order, which sees itself as the keeper of the holy grail of the pure and eternal spirit of Donald. They are conviced that Duckburg actually exists.

Barks: Oh - I remember - I believe I once saw one of their little pamphlets.

Helnwein: Do you know, by the way, that your stories were translated into German quite brilliantly by a woman named Erika Fuchs?

Barks: She must have been very good, because in my conversation with fans, I always had the impression, that the German readers best understood my humor, in contrast to the Italians, for example, where the spirit of my stories apparently was lost in the translation.

Helnwein: What was the first comic strip you ever saw in your life?

Barks: Oh, - that was a long time ago, it was in my childhood around 1906 or 1907.

Helnwein: What was it? Little Nemo?

Barks: Yes, Little Nemo was the first comic that I remember - and then came "Happy Hooligan" and others, but I most clearly remember Windsor McCay 's Little Nemo - wonderful drawings.

Helnwein: Did you imagine back then, that you would be drawing comics yourself?

Barks: I believe so. I always wanted to know how to make something like this, and I had a great desire to try it myself.

Helnwein: These stories used to appear in the Sunday newspaper in those days, didn't they?

Barks: Yes, we got the paper around Tuesday. In San Francisco the paper appeared on Saturday or Sunday, but we up in our home ranch saw it by the middle of the following week and it was always a total hit. We were living on this ranch up in eastern Oregon.

Helnwein: Which comic strip inspired you the most?

Barks: I have been asked this question many times. There were at least a dozen.

Helnwein: Popeye the Sailor?

Barks: One of them could have been Popeye the Sailor. I didn't care much for the drawings, but I loved the stories - they were very funny.

Helnwein: ...and strange.

Barks: Yes, the construction of the stories, the way the gags were phrased and the way these absurd characters would be introduced. - Fascinating (laughs). But I guess, generally, I was more influenced by drawings - I liked the art. I was more inspired by that than stories or gags. So I was quite a collector of comic strips that had good artwork in them. Like Prince Valiant.

Helnwein: By Hal Foster.

Barks: Yes, and Flash Gordon by Alex Raymond. There was no humor in their stuff and their stories were really awful, but I could just sit there and look at the drawings and be inspired. Of course I couldn't use those drawings very much in doing the duck stories later on, except for the background, or the atmosphere of the places. That helped to make those duck stories popular because they appeared to be going to real places.

Helnwein: What was the first story you wrote yourself?

Barks: This one here ... that was in spring of 1943. In those days it was ok to draw these black ducks. Today nobody would dare to do that, because it would be insulting to African Americans.

Helnwein: Well, I like those black ducks.

Barks: But look at this duck with the earrings; that would be totally impossible today.

Helnwein: Outside of Donald were there any other Disney characters you liked?

Barks: There was one I couldn't stand: it was Disney's Goofy.

Helnwein: Why?

Barks: Goofy was simply a half-wit. I could never understand what was supposed to be funny about a half-wit. I liked Mickey for his purposes. He was good in adventure-strips. But the thought of having to draw something like this did not appeal to me. I enjoyed working with the duck because I could knick him around, have him get hurt - I could let him fall off cliffs. It was lots of fun with Donald. With Mickey it would have been kind of dangerous, because Mickey always had to be right. With the duck I had a comedian that I could treat badly and who I could make fun of.

Helnwein: Donald was the looser type.

Barks: That's right, he was a kind of looser.

Helnwein: But one with whom one could identify and whom one could love.

Barks: There were many other characters in Disney, but I cannot remember a single one who has survived.

Helnwein: What about Pegleg Pete?

Barks: Yes, he was a great scoundrel. But they also had Jose Carioca for a while, a parrot who came out of the "Saludos Amigos" animated movie. I don't think he ever became very popular with the people, because he was such an over-baring, little snob -- such a know-it-all snob. Pluto was in a lot of their comic-strips, but he was a very artificial dog, so different from any idea one might have of a dog. I never liked him very much. He was a dumb dog, you might say.
No, when I think of all the characters Disney ever had, Donald was the best.

Helnwein: But before you took him on, he didn't have much of a personality. Only in your stories did he become a real human being.

Barks: It seems that way.
If you have a story to tell, a story that somebody is going to read over and over again, you have to put some substance into it. It takes more than just a bunch of pratfalls and bumps on the head. There had to be motivation for the different things the characters did, and revenge for their mistakes (laughs).
It took a lot to write a ten-page story. A lot of the guys didn't take the time to go into it that far and as a result there were a lot of the comic book stories that never lasted for very long.
With my stories, because I worked so hard to make the story plausible and give it a reason for having been written, people would read it over and over again. They didn't throw the comic book away. So these stories are still alive today, while many others are gone and forgotten.

Helnwein: Did you have contacts to any other comics artists?

Barks: Very few.
I remember one who was pretty successful in his work for Western Publishing.
He told me I was foolish to put so much work into my duck stories. He had just started to work for a New York publisher who was putting out some stories about a couple of crows.
And he said, "Oh, you can get twice as much per page than you're getting from Western Publishing". But I just couldn't see myself writing for those bunch of crows. I didn't like their style or their reason for being there. - They were just a couple of pushy jerks, and I saw no chance to invent stories which had substance or any kind of dramatic development for that.
"Well," I said, "I'd rather keep on like I am, on peanut wages, but getting some personal satisfaction out of the stories that I write."

Helnwein: Over the years you have fully developed Duckburg with all its different personalities.

Barks: Oh, yeah, that just evolved out of the fact that I had to keep getting some material to create new interest in each story I wrote . . . expanding little by little, making more of the city of Duckburg -- the places where these events took place and a little more about the people that Donald had to contact and do business with.
The whole family just gradually grew -- and so did Duckburg.

Helnwein: It's funny, but I and many others of my generation have learned a lot from these stories, because they always contained some real information. Seriously - I've learned more from Donald Duck than I have in all the schools I went to.

Barks: Well, I don't know exactly why I did so much research for my stories, but I had the feeling the ducks had to act in real places, otherwise the stories would look silly. I know in the other duck stories in comics they went to islands like Booga Booga or soemthing like that -- places that didn't have any relation to reality.
And they made their drawings in little squiggly backgrounds, which didn't have the right character of, for example, the South Seas. When I sent my ducks to the South Seas, I gave it a name that sounded very much like it could actually be on a map.
And I would go and look at pictures of plants and trees there, and islands and the mouintains and all the rest. I made my background look like the ducks went to just such a place.

Helnwein: At one point you became a little too realistic - do you remember the story about this chemical formula, which existed in reality, but which was a top military secret of the US?

Barks: Well, I'll tell you - I just stole that out of the Encyclopedia Britannica.
It was a big article on chemistry with all different chemical formulas, and it was written in this gibberish -- CO H and so on -- and I just looked at a whole string of those things and looked at about the middle of that. And I thought, "Well, may be it's harmless enough if I just take these bunch of chemicals and sort of jumble them up and stick them on a piece of paper.
Well, that is what I did, and it turned out that it was a powerful chemical formula.

Helnwein: You are one of the few people after whom a planet was named.

Barks: It was an asteroid.
In one of my later stories, called "Island in the Sky", sometime in the sixties, the ducks try to find a place to hide Uncle Scrooge's money, and they passed a bunch of these small asteroids on the way there.
One of the scientists at Cornell University, where they had a whole laboratory for study of the asteroids, read that comic book and thought that was quite a thing, that these ducks could run onto a bunch of peculiar asteroids on their way to the asteroid belt.
Anyway, they thought that was pretty good. My stories made the asteroids interesting, and opened up a possibility that there might even be some amongst them that would have a few vegetables growing on them. - And so they named one of their discoveries after me:
2730 Barks.
He wrote to tell me that the surface was approximately 100 hectares (approx. 250 acres) in size.

Helnwein: Well, you have a place to go when this world is destroyed.

Barks: In any case it would be big enough for a money bin.

Helnwein: Did you know Disney personally?

Barks: Oh yes, I went to story meetings with Walt.
He was the guy who'd come in at the last session, and a couple of the times he also joined the production of one of these stories.

Helnwein: How was it to work with him? There are people who claim that he was a dictator.

Barks: If you had a really good story, he was a pleasant guy to have in the room -- he would laugh and contribute more gags. But if the story wasn't good he was very critical. Well, he had to be. After all, it was his money that was paying us our wages, so if the story wasn't good he would let us know. But generally we were very careful to have the story in pretty good shape before we ever showed it to him.

Helnwein: Was he really competent?

Barks: Oh yes - he knew exactly when a gag was going to fall flat. He would tell you that it needs more work or it needs to be shortened.

Helnwein: Did he also care about the drawing or was he more interested in the gag?

Barks: He was pretty indifferent to the drawings in the story department; they only had to carry the story. If we had made sharp, detailed drawings, he would certainly have been upset.
He would have told us: "I'm paying you guys to think of ideas and stories and to get something moving."

Helnwein: You just showed me an old sketch, which you made during a union meeting.
There are different caricatures of people, who are pointing at a figure of Hitler; what does that mean?

Barks: That was after work in one of the buildings in Hollywood.
After the Disney strike we founded a union, and this was supposed to be a union meeting. But instead of talking about salaries and working conditions there were a bunch of war agitators, who advocated that America should declare war on Germany and who wanted to send our boys into battle.
Most of us didn't like it at all that America entered the war.
Why for heaven's sake? We had already been over there once and had fought the Germans in 1916-1917, and supposedly this was to bring about peace for the whole world and for all time. And now we were at it again, sending our boys to death.
For most of us at the Studio it looked like the repetition of a senseless tragedy.
Besides we were disturbed by the fact that Melvin Douglas, a notorious communist,
told us this. He said we had to go to war in order to save Russia from the Nazis who were standing at the gates of Stalingrad.
But we didn't give a damn which side won as long as we could stay out of it.

Helnwein: Was Disney present at these meetings?

Barks: No, none of the leading Disney employees were there. It was a labor union, after all.

Helnwein: Where you there when the great strike took place?

Barks: Well, I was in the story department; we didn't strike. The animators and in-betweeners were the ones on strike. We in the story department went through the picket line every morning.

Helnwein: What was your view of the strike?

Barks: I was against it. I had the feeling that something was being destroyed.
The Disney studios were a place where there were no time clocks - we were able to come to work whenever we wanted to. If you went to work, did a good job and had something to show for your efforts, you got paid damn well.
If you were shirking and complaining all the time you didn't get a raise, and it was these shirkers and complainers who had organized this strike.

Helnwein: Do you think that Disney was fair to his employees and artists?

Barks: He was fair - of course, he could have been more considerate and humane to his employees, but those were hard times. He brought a bunch of us, who, if we were lucky, could earn ten dollars a week doing whatever job - and he gave us twenty. I know many who were not grateful to him for that. They thought that if a Disney film brings in $100, 000, they should get half of it. But Walt invested the entire amount in order to make a new film.

Helnwein: Did Disney ever comment on your Donald Duck stories?

Barks: I don't even know whether or not he ever read my stories.
It was the people from the Publication Department who took care of these things and who represented Disney's interests regarding the comic books. They knew what I did and the fact that they didn't lose their jobs and were there the whole time and well paid, points to the fact that Disney must have been satisfied.

Helnwein: Did you learn about all the places you describe in your stories just from National Geographic magazines?

Barks: They were my most important sources of information regarding geography, nations, people and places.

Helnwein: Did you ever go to any of these places?

Barks: No. I was in Tijuana, Mexico and in Victoria, British Columbia, that's all.

Helnwein: Do you remember, when you drew the first duck in your life?

Barks: I think in grammar school, I scribbled one into a notebook. I drew the first Donald in 1935, when I came to Disney.

Helnwein: Was there censorship at Disney?

Barks: Yes.

Helnwein: Was your work ever censored?

Barks: Not often, I already had seven years experience working in animation and I knew what they wanted and didn't want.

Helnwein: I am thinking of the espionage story with all the spies and counter-spies and counter-counter-spies, where you drew beautiful human girls: with real breasts.

Barks: That one got me into trouble. The first problem happened with my 2nd or 3rd story.
It was a ten-page story, Donald was a life-guard, and there was this sweet, well-endowed duck girl.
I had to spend several hours in the art editor's office in order to flatten all the breasts.

Helnwein: Would you have liked to write more erotic stories with attractive girls, if it had been allowed?

Barks: Oh yes, I would have liked that.
There wouldn't have to be more sex, necessarily, but I would have used attractive looking human girls. But the editors rejected this. They didn't want to let the ducks blend with real humans under any circumstances. The girls had to have duck or dog faces. About the same time when these stories were put together, Walt Disney brought out the animation film "Saludos Amigos" in which Donald acted like a real wolf.

Helnwein: Like a wolf?

Barks: Yes, he strutted and flirted and ran after all the beautiful girls like a lascivious wolf. It made me think that I might be able to get my story through.

Helnwein: When you had retired, you began to paint in oil. But you were not allowed to paint your ducks, since the copyright belonged to Disney, didn't it?

Barks: Yes, for five years I painted and drew little landscapes and sold them at exhibitions. Those were meager years, I didn't earn much. I think it was in 1971, when someone asked me if I could paint him a picture of the cover with the little old sailboat from the year 1949. Well, I said these ducks belong to Disney and I would have to ask permission. But I thought it would be a pleasant way to earn a few dollars, because I had no luck with my other pictures.
So I wrote to George Sherman, who at that point managed the Publications Department, and he simply said: "of course - go to it!" He added that the pictures would have to be good enough, so as not to cause the Disney Studios any embarrassment.
In 1976 I stopped painting, because, in the meantime, the collectors had become very pushy. When I painted a picture for someone, all the others were mad at me, because everyone thought it should have been for him. It had become impossible to keep the waiting list under control. I had no idea how to satisfy all these people, and besides, I didn't want to paint any more ducks.

Herlnwein: But later you reversed yourself.

Barks: Between 1976 and 1982 I had peace and quiet. Then I started with the lithographs and new oil paintings. But now I have reached a point, where I don't want to work any longer. I believe I'll never paint another duck.

Helnwein: You have drawn millions of them.

Barks: Yes, that many for sure.

Gottfried Helnwein im Gespräch
Die Interviews mit Gottfried Helnwein fanden statt am 13. / 14. Juli und wurden am 21. / 22. September 1990 fortgesetzt.
mit Andreas Mäckler

http://www.gottfried-helnwein-interview.com/

Handelsblatt, 28. Dezember 2001
Galerie des Stils
MEIN STIL - 10 FRAGEN AN PROMINENTE
Gottfried Helnwein, Maler
Roland Mischke

Handelsblatt: Wie würden Sie Ihren persönlichen Stil beschreiben?

Helnwein: Was meine künstlerische Arbeit betrifft, ist mein Stil, keinen Stil zu haben. Genauer gesagt: keine stilistischen Grenzen zu haben. In der Kunst, aber auch im Leben, gibt es heute nicht mehr die Geborgenheit eines stilistischen Überbaus.

Handelsblatt: Welchen Stil bevorzugen Sie bei Frauen?

Helnwein: Individualistisch, eigensinnig, unverwechselbar, unangepasst.

Handelsblatt: Was empfinden Sie als stillos?

Helnwein: Alles, was mittelmäßig, konform und langweilig ist.

Handelsblatt: Was bedeutet Schönheit für Sie?

Helnwein: Alles, was eigenartig, eigenwillig, aufregend und auf irgendeine Art überraschend ist.

Handelsblatt: Was sind Ihnen die liebsten Orte?

Helnwein: Irland, wo ich lebe - und Italien.

Handelsblatt: Was ist Ihr Lieblingsgetränk?

Helnwein: Guinness.

Handelsblatt: Was ist Ihre Lieblingslektüre?

Helnwein: Comics und Geschichtsbücher.

Handelsblatt: Welche Menschen bedeuten Ihnen etwas?

Helnwein: Ich kannte Marlene Dietrich, die jetzt 100 Jahre geworden wäre. Mir gefiel ihr eigensinniges und kapriziöses Wesen. Sie war ein androgyner Engel, dem die überkommenen Vorstellungen dieser Welt viel zu eng waren. Sie hat ihre eigenen ästhetischen Kriterien geschaffen und damit Geschichte gemacht.

Handelsblatt: Mit wem sind Sie gern zusammen?

Helnwein: Da ich im Grunde ein Kind der Renaissance bin, lebe ich in einem Schloss und sitze mit meiner großen Familie täglich an einer langen Tafel bei Kerzenlicht und Musik. Zur Familie gehören viele Kinder, viele Freunde und zwei Hunde, die durch die Räume toben.

Handelsblatt: Wie verbringen Sie Silvester?

Helnwein: Möglicherweise im Atelier. Ich arbeite gerade an einer Landschaftscollage im Großformat.

Tastes Like Chicken; Columbus, Ohio, 01. November 2000
HELNWEIN
Interview with Gottfried Helnwein
by Insane Wayne Chingsang

These are the images of a man consumed by free will. A man with a gift and a craft and a passion to challenge the mediocrity of what has already been established. A man whose opinions embody everything authority does not want you to believe in. His name is Gottfried Helnwein, and he recently discussed his 30+ year career with Tastes Like Chicken's Insane Wayne Chingsang.

insane wayne chingsang:
You and your work are no strangers to controversy. In the late sixties and into the seventies you dealt with people trying to put a stop to your work. Today, you receive much less resistance than before. Do you feel that this is because society has seen more and is therefore no longer surprised by much, or do you feel that your work has changed to the point where it is no longer as shocking?

Helnwein:
I think my work is changing, but my intention was never to shock. I thought it was just something I had to do and, to my surprise, it was a big shock for many people. From time to time with certain pieces I still get rather hot reactions. Many things were unthinkable in television and the media at the time when I was young, but today people have seen a lot. It is still rather easy to disturb people or get their emotions stirred up. Do you remember the elephant dung thing (Ofili's Holy Virgin Mary)? Well, that was obviously intentionally used to be shocking. That shows how easy it is, even today. With fine art, the tolerance is very low. It's very strange. One would assume that by what people see everyday, they should have no problem with certain things, but with fine art they do for some reason.

iwc:
You have stated that you learned more about art and life from Donald Duck than from all the schools you ever attended. Could you explain in further detail what you meant by that statement?

Helnwein:
I was born in Vienna after the war. They had just lost World War II. Many houses were destroyed and people were deeply depressed. It was a world of no hope. There was no art, no culture. There was nothing. I didn't understand all the circumstances at the time, but I felt that it was a horrible time and place to be in. So, my first encounter with great art was actually the first comic books they had in Austria. American officers brought some with them. It was Donald Duck by Carl Barks. For me, it was like a complete encounter with the real world. That was true also for my friends. This was a world we could appreciate and understand. The so-called 'real world' was very unreal to me.

iwc:
It must be a nice escape a